Si le lutin qui se prenait pour une fée est aujourd’hui largement oublié — sa dernière apparition officielle dans la série remontant à plus de vingt ans —, Tingle a pourtant occupé le devant de la scène au début des années 2000. Mais pas forcément pour les bonnes raisons.

Véritable tête de turc en Occident, et plus particulièrement chez les Américains, rarement un personnage secondaire n’avait autant déchaîné la véhémence du public. Bien qu’aujourd’hui, avec l’omniprésence de la culture japonaise, certaines excentricités soient mieux acceptées, Tingle reste le parfait cas d’école des divergences culturelles entre l’Archipel et le reste du monde. À tel point que parfois sur internet, au détour d’une discussion sur le lutin vert on peut croiser l’expression : Americans Hate Tingle — un terme désignant un personnage populaire dans son pays d’origine, mais impopulaire dans un autre. Car si ses détracteurs sont ici légion, au Japon, il a été suffisamment populaire pour s’offrir trois jeux à son effigie (ainsi qu’une application DSi), sans la moindre présence de Link ni de Zelda pour l’aider à vendre ses jeux.

Sur ces trois titres, seulement un a réussi à s’échapper du Pays du Soleil Levant : Freshly-Picked Tingle’s Rosy Rupeeland. Largement oublié d’un catalogue déjà très fourni de la DS, il est temps aujourd’hui de revisiter la grande aventure du lutin trentenaire, en s’intéressant aux rouages de son développement ainsi qu’aux différences culturelles entourant le titre. Alors, Tingle méritait-il vraiment un tel acharnement ?

Dans ce test :

• Qui est Tingle ?
  • Le concept du "Kimokawa"
  • Chronologie d'un mal-aimé
  • Le poids du public américain (et de ses billets)
• Tingle, héros malgré lui
  • Les taupes de Vanpool
  • America First
  • Seducing the enemy
  • Tingle-free country
• Kooloo-Limpah! Le test !
  • L'Art de la guerre
  • Deux manières de jouer, aucune de bonne
  • Port Town et son sens de l'accueil
  • Quarante personnages et autant de raisons de continuer
  • Jolie-laide
  • Minimaliste, mais très bruyant
  • Trente mercenaires, zéro pathfinding
  • Donjons oubliables, boss inoubliables
  • "Baka-game", mais seulement en apparence
• Moins de moraline, plus de gameplay
  • Le racket a parfois du bon
  • "Bienvenue" à Rubis-land 
• Conclusion : Tingle voit malgré tout la vie en rose
• Bonus : Déconstruction du titre mot par mot

Qui est Tingle ?

Comme beaucoup d’éléments iconiques du jeu vidéo, Tingle est né d’une contrainte. Lors du développement de The Legend of Zelda: Majora’s Mask, Yoshiaki Koizumi (alors co-réalisateur) souhaite que les cartes occupent une place à part entière dans le jeu. L’idée que le joueur doive acheter ses propres cartes au cours du jeu s’impose ainsi naturellement. Mais elle implique aussi foncièrement autre chose : la création d’un PNJ pour les lui vendre.

L’équipe se pose alors une question toute bête : « À quoi ressemble quelqu’un qui vend des cartes ? ». Dans un souci de gameplay, ce dernier doit aussi être facilement visible pour le joueur. La réponse qui émerge de ces échanges est tout aussi bête : « Le type de personne qui vend des cartes, c’est la même qui les réalise, et pour les réaliser elle le fait en survolant les lieux. » C’est Takaya Imamura (F-Zero, Star Fox), alors directeur artistique, qui est chargé de donner vie au personnage. Tingle et son iconique ballon rouge étaient nés.

Seulement voilà : l’avoir là au milieu de la plaine en train de flotter avec son ballon le rendait déjà plutôt stupide. Imamura a donc décidé d’assumer pleinement l’excentricité du personnage en lui affublant un nez rouge et, surtout, un collant vert moulant.

Cette combinaison fait partie intégrante de la culture télévisuelle japonaise, beaucoup de comédiens là-bas aiment se déguiser en zenshin taitsu (全身タイツ, combinaison intégrale moulante). Un humour dont les Japonais sont particulièrement friands, mais qui s’exporte plus difficilement. La dissonance culturelle, elle aussi, était née.

Au-delà de son apparence, Tingle est aussi un peu bizarre, cupide, et surtout obsédé par les fées. Il a 35 ans et son propre père a honte de lui. De l’aveu de Mitsuhiro Takano (Script Director) au moment de sa conception, il avait en tête une espèce d’otaku : un gars qui ne parle que de ses passions, mais qui possède au final un bon fond.

Eiji Aonuma, l’autre réalisateur du jeu, explique également que lors de la conception résidait cette idée d’un homme qui refusait catégoriquement de grandir. Ce trait de caractère, combiné à sa tenue verte, ainsi qu’à son adoration pour les fées — et sa tendance à être très souvent dans les airs —, lui donne une esthétique profondément Peter Pan. Si l’on devait « localiser » le concept du personnage en Occident, ce qui s’en rapprocherait le plus serait probablement un « adulescent », ou pour utiliser le pendant américain encore plus péjoratif, un manchild (homme-enfant).

Le concept du « Kimokawa »

L’ambition originelle d’Imamura était de créer un personnage basé sur le concept du kimokawa (キモカワイイ). Ce mot-valise japonais contracte kimoi (気持ち悪い, écœurant/dérangeant) et kawaii (可愛い, mignon). Une esthétique 100 % nipponne qui vise à susciter à la fois la répulsion et l’affection.

Chez nous, la nuance se perd une nouvelle fois. On se retrouve généralement de manière très binaire à catégoriser le personnage comme étant soit effrayant, soit mignon, mais jamais les deux à la fois. Cela peut sembler être un détail, mais il renforce une nouvelle fois la fracture culturelle qui pouvait exister au début des années 2000 entre le Japon et le reste du monde.

Chronologie d’un mal-aimé

Afin de recontextualiser l’origine de la haine de Tingle, revenons sur son (court) parcours.

Le poids du public américain (et de ses billets)

Aussi lunaire cette grogne et cette campagne soient-elles, elles ont marché.

En effet, Tingle n’apparaîtra pas dans Twilight Princess. Ni dans aucun épisode principal de la série depuis Minish Cap en 2004. Récemment, Imamura a confirmé que sa disparition était liée à la véhémence du public américain à son égard.

Si cela peut sembler dingue que la mauvaise réception d’une frange du public — qui n’est même pas le public natif du jeu — puisse autant influer sur le développement d’un studio japonais, l’explication se trouve très rapidement : historiquement, la saga The Legend of Zelda a toujours été beaucoup plus populaire et lucrative en Occident (et notamment aux États-Unis) qu’au Japon. Un marché que Nintendo ne peut pas se permettre d’ignorer — le glas était sonné pour le lutin en collants verts.

Tingle, héros malgré lui

Quelques années plus tard, Kensuke Tanabe alors producteur chez Nintendo, sort d’une réunion avec son supérieur en ayant une idée bien précise en tête : Nintendo se doit de promouvoir d’autres figures que Mario ou Link — et surtout, des figures capables de laisser une forte impression au public.

Qui d’autre que leur « Peter Pan » maison, déjà haï par un pays tout entier, pouvait bien cocher toutes ces cases ? Tanabe estime alors que Tingle conviendrait parfaitement dans ce rôle, et qu’il a une place toute trouvée sous la houlette du studio Vanpool. Composé d’anciens membres du mythique studio Love-de-Lic (Moon: Remix RPG Adventure, L.O.L.: Lack of Love) — on comprend ici mieux la volonté de Tanabe de confier Tingle à de tels développeurs —, c’est dans ce contexte très particulier que Vanpool se voit attribuer le développement de ce « Tingle RPG », qui deviendra à terme : Freshly-Picked: Tingle’s Rosy Rupeeland.

Initialement développé pour la Game Boy Advance en 2003, le projet accumule rapidement les déconvenues : changements successifs de responsables chez Nintendo, difficultés à s’accorder sur un concept de gameplay, et enfin l’arrivée de la Nintendo DS qui impose un changement complet de support; même si la firme kyotoïte a choisi de faire confiance à Vanpool — ayant déjà collaboré avec eux sur les mini-jeux de Mario & Luigi: Superstar Saga —, pour leur patte unique, un jeu Nintendo reste un jeu Nintendo, et l’image de la marque reste primordiale. Big N se montrait certes un peu moins psychorigide qu’aujourd’hui sur ses licences, mais pas mal de concessions ont dû être faites pour faire aboutir ce Tingle’s Rosy Rupeeland.

Les taupes de Vanpool

Heureusement, pour faire accepter certaines de leurs extravagances, Vanpool a pu compter sur deux alliés de poids au sein de Nintendo : ledit producteur Kensuke Tanabe et la coordinatrice Mari Shirakawa. Taro Kudo, le directeur du jeu, dresse d’ailleurs d’eux des portraits très atypiques, loin du sérieux qu’on attend des cadres de chez Nintendo :

« Kensuke Tanabe : Un vieux de la vieille qui continue à marcher sur la voie de l’Outlaw Nintendo avec l’esprit rock comme devise. Comme il est faible mais aime le saké, il ne peut absolument pas se passer de curcuma. »

« Mari Shirakawa : Une fille (?) qui adore profondément les insectes, le catch, les yokai et les jeux de cartes. Prend un médicament censé dégager des phéromones depuis un mois, sans effet. »

Des profils qui, ironiquement, auraient parfaitement leur place chez Vanpool — bien plus que chez le très sérieux Nintendo —, mais c’est pourtant grâce à ces sympathiques « chevaux de Troie » que la relation entre les deux structures va se faire beaucoup plus aisément, et que Vanpool bénéficiera de plus de liberté de création. Tanabe a estimé que face à des mastodontes comme Mario et Zelda, leur seule véritable carte à jouer était celle de l’originalité absolue. Shirakawa, de son côté, se lancera dans un véritable prosélytisme en faveur des développeurs, afin de faire valider en interne certains des choix les plus osés du studio. C’est elle qui lancera d’ailleurs au Japon le site promotionnel « Tingle House » — un site web en flash comportant des petits sketches comiques avec différents personnages —, afin de promouvoir le personnage et de capitaliser sur le fameux côté kimokawa, notamment auprès du public féminin.

Le titre réussit ainsi un incroyable grand écart, habilement résumé par Shirakawa :

« Donner l’impression d’un jeu Nintendo tout en faisant du Vanpool. »

De l’extérieur, ce Freshly-Picked: Tingle’s Rosy Rupeeland coche toutes les cases d’un jeu de la firme kyotoïte : un titre très coloré, rigolo et super ludique. Mais à l’instar des anciennes productions de Love-de-Lic, sous la couche de peinture Nintendo se cache une œuvre qui — sans contenir rien de choquant — parlera clairement un peu plus à un public plus âgé.

America First

Un élément fascinant qui ressort du développement de ce Rosy Rupeeland réside dans l’obsession permanente de l’équipe vis-à-vis du public américain. La haine envers Tingle était si intense aux États-Unis que l’un des enjeux majeurs du jeu était de parvenir à mettre le lutin sous un jour nouveau. Un défi de taille, car même au sein de Vanpool, Tingle ne faisait pas l’unanimité : Kudo a lui-même avoué qu’il n’affectionnait pas franchement le personnage à l’origine. Cette préoccupation de la réception américaine impactera même un domaine plus inattendu : la direction artistique.

Quand j’ai joué au jeu, je me suis fait la remarque que les couleurs étaient plutôt froides — de manière générale, le jeu fait très « vert ». C’est en lisant les interviews du Nintendo Online Magazine n°98 que je me suis rendu compte que c’est effectivement factuel. Mais surtout un choix de design en faveur des Américains. Kudo y explique que pour l’esthétique visuelle générale, l’équipe avait vraiment « l’Amérique du Nord en tête ». Kazuyuki Kurashima, alors en charge des graphismes, y révèle de manière plus surprenante que malgré le fait qu’il détestait le vert et le violet, il a sciemment choisi d’en mettre de partout, donnant ainsi au jeu, un aspect très distinctif.

Maintenant concernant le liant entre le vert, le violet et l’Amérique… aucune explication officielle. On peut supposer simplement que, n’étant pas des couleurs habituelles pour l’artiste, un biais de logique du type « si je travaille différemment, le résultat pourrait être différent là-bas » reste la piste la plus plausible.

Au final, malgré la contrainte, Kurashima affirme être tombé amoureux de ces couleurs — un détail amusant, car on peut y voir un parallèle parfait avec la philosophie de Shirakawa à l’égard du personnage de Tingle :

« C’est pareil dans les histoires d’amour… détester quelqu’un peut devenir de l’amour, mais quelqu’un dont on se fiche complètement, on ne s’y intéresse pas, donc on ne l’aimera ni ne le détestera jamais ! »

Seducing the enemy

La direction artistique n’est pas la seule chose abordée avec un regard extérieur — cette volonté de séduire l’Occident bouleversera également les plans initialement prévus pour une figure centrale du jeu : Pinkle, l’assistante qui guide Tingle.

Dans ses premières ébauches, Pinkle est pensée comme une femme « d’âge mûr » qui « attrapait la viande à deux mains pour la manger goulûment ». Une forme d’humour résolument japonaise qui aurait laissé le public international certainement plus pantois.

Kurashima préfèrera donc se raviser afin de concevoir un personnage capable de parler aux « garçons américains ». Le résultat ? Un condensé de l’imaginaire de la sexy helper : chevelure blonde, combinaison en latex rose moulante et bas résilles.

Shirakawa y souligne d’ailleurs que la musique de fond qui se déclenche à chacune de ses apparitions « semble dégager des phéromones à fond ». Et honnêtement, difficile de la contredire — c’est l’une des rares pistes musicales du jeu, et le côté très suggestif se ressent immédiatement à l’oreille. Malgré les réticences de Kurashima sur cette version du personnage, le pari paie : Pinkle reste aujourd’hui l’une des figures les plus mémorables et les plus appréciées des joueurs.

Tingle-free country

Alors, avec autant de considération portée envers le public américain, la question légitime qui ressort est très simple : comment le jeu a-t-il été reçu là-bas ? Eh bien, ironie du sort — le jeu n’a jamais vu le jour sur le territoire américain.

Freshly-Picked Tingle’s Rosy Rupeeland s’inscrit dans le club très fermé des jeux japonais à avoir sauté la case USA pour sortir exclusivement en Europe. Sorti le 14 septembre 2007, Nintendo of America avait pourtant tâté le terrain. À l’époque, le célèbre magazine Nintendo Power (numéro 207) consacre trois pages complètes au jeu, tentant de le vendre tant bien que mal, avant de renvoyer vers un sondage demandant textuellement aux lecteurs : « Seriez-vous intéressés par une sortie américaine de ce Tingle RPG ? »

Bien que Nintendo n’ait jamais publié les résultats, le silence et la non-sortie du jeu sonnent comme des aveux. Le sondage est survenu seulement quelques mois avant l’arrivée du très attendu — et très sombre — Twilight Princess : le spectre de la présence de Tingle dans le jeu et la grogne des joueurs face au lutin auraient pu les pousser à voter activement contre une sortie du titre sur le territoire. Un comportement qui peut paraître surréaliste aujourd’hui.

Encore plus surréaliste reste la décision de Nintendo of Europe de sortir le jeu sur ses territoires. Un marché pourtant moins grand que celui américain, et qui plus est fragmenté : le titre a dû être traduit dans cinq langues uniquement pour sa mouture PAL, pour un jeu qui reste malgré tout un OVNI.

Et malheureusement, cela n’a pas raté : malgré l’attitude plus neutre du public européen face à Tingle, ce dernier n‘a pas répondu présent. Bien qu’aucun chiffre officiel ne soit ressorti, la rareté et la cote actuelle du jeu sont autant de preuves explicites.

Malgré une décision courageuse de Nintendo of Europe, la dissonance culturelle entre Occident et Japon reste actée : côté archipel, selon Media Create — l’un des principaux organismes qui mesurait les ventes de jeux vidéo là-bas — ce seront 207 525 copies vendues en seulement quatre mois, dont 45 496 unités en première semaine, se classant 57e meilleure vente de l’année 2006 devant des mastodontes comme Persona 3 ou Xenosaga III.

Kooloo-Limpah! Le test !

Alors, au final, que vaut réellement Freshly-Picked Tingle’s Rosy Rupeeland ? Méritait-il vraiment de se faire refuser son visa ? Le titre s’ouvre sur un trentenaire en marge de la société (qui n’est pas encore Tingle à ce stade !) à qui l’on offre la chance de sa vie : une place à Rubis Land.

Présenté par Pépé Rubis comme un véritable paradis sur Terre — festins de gourmets, mode de vie bohémien et femmes aux pieds de notre personnage —, difficile de ne pas voir venir le traquenard. Malheureusement pour lui, notre protagoniste est plus crédule que la moyenne et mord à l’hameçon. Désormais dépossédé de son identité et transformé en Tingle, le voilà investi d’une mission pour atteindre son eldorado : abreuver de rubis le petit étang à côté de chez lui afin de faire pousser une tour géante vers le ciel.

L’aventure se révélera étonnamment longue et vaste. Bien que le chiffre ne soit jamais révélé explicitement, il faudra au lutin vert déverser un total de 489 400 rubis dans le bassin pour atteindre son paradis. Pour ce faire, Tingle devra parcourir 3 continents, explorer 12 zones et rencontrer plus de 40 personnages durant sa quête.

L’Art de la guerre

Dès les premières minutes, un petit tutoriel introduira la mécanique centrale du jeu : les rubis seront votre monnaie — logique —, mais surtout ils font aussi office de barre de vie. Si ces derniers venaient à tomber à zéro, c’est le game over immédiat et retour à l’écran titre. Lorsque notre lutin entre en contact avec un monstre, le combat se déclenche — et se résout — automatiquement de manière très humoristique, sous la forme d’une baston de dessin animé. Le joueur n’a alors que deux actions possibles :

• Tapoter l’écran tactile pour donner un léger coup de pouce à Tingle.
• Déplacer le nuage de mêlée pour aller englober d’autres ennemis à proximité. C’est d’ailleurs la meilleure chose à faire si vous avez les moyens de vous défendre, car cette immense rixe générale est le moyen le plus efficace pour obtenir des objets en grande quantité, et potentiellement rares.

Bien que très original, ce système de combat n’est pas sorti de nulle part. En effet, il s’agit d’une référence directe à Kaeru no Tame ni Kane wa Naru (The Frog For Whom the Bell Tolls), un vieux titre de Nintendo sorti sur Game Boy en 1992 uniquement au Japon. Ironiquement, la place de l’argent y était déjà centrale dans l’aventure.

Deux manières de jouer, aucune de bonne

Côté prise en main, Tingle fait dans l’inclusion et peut être manipulé de façon ambidextre : vous pouvez le déplacer soit avec la croix directionnelle de manière classique, soit avec les boutons ABXY. Cette inclusivité ne se fait pas sans contrepartie : vous vous retrouvez contraint d’utiliser le stylet pour la moindre interaction avec l’environnement.

Cela ne reste qu’une supposition, mais le jeu ayant été initialement pensé pour la Game Boy Advance, ce virage vers le « tout au tactile » ressemble fort à une impulsion de la part de Nintendo pour justifier le nouveau support du titre. Malheureusement, cette répartition des tâches se fait au coût d’une maniabilité inconfortable sur la longueur. C’est encore plus flagrant sur les modèles XL de la console — déjà lourds de base — où l’on se retrouve à porter la console d’une seule main pendant que l’autre est occupée à tapoter un peu partout sur l’écran. Vu le côté très laid-back du titre, on regrette que l’intégralité des déplacements ne passe pas plutôt par le tactile (comme beaucoup de jeux du support, dont un certain Zelda: Phantom Hourglass), permettant ainsi de profiter de l’aventure de manière bien plus confortable.

Port Town et son sens de l’accueil

Lors de votre premier passage en ville, vous aurez très vite l’occasion de vous rendre compte que les PNJ n’apprécient pas plus la présence de Tingle que les Américains, et ne daigneront vous parler que si votre bourse le permet. La moindre demande d’informations doit être monnayée — à l’aveugle, qui plus est. Rien n’indique réellement la somme attendue par votre interlocuteur, et dans la majeure partie des cas, si vous dépensez trop peu, le PNJ empochera vos rubis sans rien vous donner en retour.

Bien évidemment, si vous souhaitez être pris au sérieux durant ces séquences, il vous faudra des biftons. En dehors des négociations, l’essentiel du gameplay consiste à accomplir des micro-tâches : récolter des ressources, battre des monstres, ou concocter des mixtures dans la Tingle House via un mini-jeu tactile. La variété est bienvenue et une certaine routine — plutôt agréable — s’installe.

Quarante personnages et autant de raisons de continuer

Quand j’ai commencé ce Tingle RPG, j’étais surpris de l’envergure de l’aventure, mais surtout un peu dubitatif quant à la capacité du titre à tenir son concept sur la longueur. Après tout, vous vous retrouvez en quelque sorte à devoir « travailler » tout le long du jeu — ce qui peut marcher dix heures ne va pas nécessairement fonctionner trente. Et pourtant, Rosy Rupeeland tient habilement son concept de bout en bout, puisant sa force — comme souvent avec les productions de Love-de-Lic — dans ses personnages. L’un des attraits principaux du jeu vient de la découverte de nouvelles têtes et des quêtes qui leur sont associées. Le titre propose un panel très varié de personnalités qui relancent habilement l’intérêt de l’aventure et l’envie d’explorer le monde : une fraternité de Village People chargée de réparer les ponts, un équipage de squelettes pirates effrayés par les chiens, l’inventeur des fameuses « bouteilles vides » de la licence, vivant lui-même dans une bouteille vide.

Jolie-laide

Naturellement, avec un personnage tel que Tingle et une équipe comme celle de Vanpool à sa botte, le jeu ne manquera pas de décrocher quelques sourires — profitant d’un humour tout particulier peu importe votre âge, et s’appuyant notamment sur ses graphismes et sa bande-son.

Visuellement, le jeu n’exploite pas vraiment les capacités de la DS. En dehors de quelques passages en 3D sympathiques (notamment l’animation lorsque la tour grandit), le soft se contente d’une 2D très classique — un classicisme qui s’explique très probablement par les balbutiements du projet sur GBA. Ceci étant dit, le travail sur les sprites est une franche réussite : les expressions de Tingle, particulièrement expressif et ridicule, apportent une vraie plus-value comique au titre. Les décors, quant à eux, font dans les poncifs classiques — forêt, montagne, volcan — mais bénéficient d’une patte graphique bien particulière. Honnêtement, ce côté kimokawa parvient même à se faire ressentir ici : le jeu est très coloré, certes, mais d’une manière presque satirique, comme si le titre venait parodier ce que Nintendo a l’habitude de proposer.

Minimaliste, mais très bruyant

Côté sonore, Rosy Rupeeland marche dans les pas de ses prédécesseurs. À l’instar de Moon RPG ou L.O.L. avant lui, le jeu fait le choix du minimalisme et instaure son ambiance à travers une variété de bruitages plutôt que des pistes audio plus conventionnelles. Chaque action du joueur se traduit par une réaction sonore appropriée : les escarmouches très cartoonesques, les chutes ridicules de Tingle ou encore le cliquetis hautement addictif des rubis que l’on ramasse. Cette multiplicité de bruits confère au titre un côté « boîte à meuh » particulièrement grisant et ludique.

Malgré l’absence de thèmes musicaux dédiés, les zones ne sont pas en reste pour autant. Chaque biome bénéficie d’éléments sonores environnementaux qui lui sont propres — le grondement d’une cascade, la stridulation des criquets, les bruits de pas étouffés dans la neige. Cette attention au détail donne une véritable identité sonore à chaque lieu.

Minimalisme oblige, les rares pistes musicales dénotent dès lors et n’en deviennent que plus percutantes :

• Le thème de la ville (Port Town) : Une piste qui sonne très cheap en plus de boucler énormément. Menée par des cuivres criards, elle dégage un côté presque antagoniste qui vous fera probablement un drôle d’effet lors de votre première visite. Un choix en absolue cohérence avec le gameplay, car au début de votre aventure, aucun PNJ ne vous fait confiance — allant jusqu’à se cacher lorsque vous les approchez.

• Le thème de la maison (Tingle’s House) : Probablement le thème que vous allez entendre le plus souvent, puisqu’il s’agit de l’unique endroit où sauvegarder et préparer vos mixtures. Elle sied Tingle à merveille : elle a un côté un peu cozy — cohérent avec la fonction du lieu — mais transpire l’ennui et la routine du trentenaire vivant hors système. À l’instar du thème de la ville, elle sonne très bas de gamme, assortie de sonorités « pouët-pouët ».

• Le thème de Pinkle (Pinkle’s Room) : À contre pied total du reste de la bande-son, ce morceau embrasse un côté smooth jazz très sensuel et feutré. Profondément explicite — comme évoquée plus haut —, et portée par des notes lascives, la piste retranscrit avec brio le côté provocant de l’assistante en latex.

Port Town

Tingle’s House

Pinkle’s Song

Trente mercenaires, zéro pathfinding

Fidèle à sa couardise, Tingle se battra rarement seul — et certainement pas à l’épée. Toujours dans cette logique de « service monnayé », notre anti-Link peut recruter des bodyguards chargés de se battre avec ou sans lui. Vous aurez accès à pas moins de 30 compagnons disséminés sur les trois îles du jeu. Recruter ces alliés s’avère vite indispensable, car seul, Tingle encaisse très mal les coups — faisant fondre votre capital à vue d’œil. À la différence du lutin vert, vos compagnons ont une barre de vie qui leur est propre, sont répartis en trois tailles (chaque taille permettant d’interagir dans des lieux bien précis et de récupérer des objets cachés) et se divisent en trois tempéraments bien distincts, déterminant leur comportement en combat :

• Les Fainéants : Ils ne vous écoutent presque jamais et ne vous aident en combat que s’ils sont eux-mêmes pris pour cibles.
• Les Combatifs : Ils obéissent globalement à vos ordres et combattent dès qu’un ennemi rentre dans leur champs de vision.
• Les Intelligents : Ils respectent vos consignes quasi systématiquement et n’engagent le combat que lorsque vous êtes personnellement impliqué dans une escarmouche.

Ils ont beau avoir trois personnalités différentes, ils se rejoignent tous sur un point (probablement le plus gros point noir du titre), le pathfinding catastrophique du jeu. En effet, peu importe que vous leur donniez un ordre ou non, vos alliés se retrouveront toujours à un moment ou un autre bloqués dans le décor — rendant frustrants certains combats que vous allez engager — et finir par perdre, votre compagnon étant trop occupé derrière un rocher à forcer le passage.

Donjons oubliables, boss inoubliables

Bien que le titre n’ait aucun véritable lien avec la série The Legend of Zelda — hormis quelques clins d’œil et bruitages —, l’aventure s’articule tout de même autour de cinq donjons et cinq boss. Et c’est précisément ici que le génie de Vanpool en matière de créativité et de game design ressort vraiment. Pour être honnête, les donjons en eux-mêmes ne sont pas l’aspect le plus intéressant de l’aventure. Certes, ils gagnent en complexité, intègrent des mécaniques diverses à mesure que l’aventure progresse — mais nous sommes loin des donjons d’un Zelda. Pire, certains se révèlent même assez pénibles, en particulier celui du repaire des insectes, où l’on se retrouve la majeure partie du temps à avancer au pifomètre, la luciole censée nous guider à travers l’obscurité coûtant bien trop chère.

Les boss, eux, signent en revanche un sans-faute absolu. Tous reposent sur une mécanique de gameplay unique — se permettant même des clins d’œil à de vieux jeux Nintendo — et s’avèrent particulièrement fun. À chaque fin de donjon, juste avant de sauter dans le coffre géant menant à la salle du boss, on se demande avec impatience : « À quoi va bien pouvoir ressembler le combat cette fois-ci ? » Et Vanpool parvient à se renouveler à chaque fois.

Le point d’orgue revient sans conteste à l’affrontement final contre Pépé Rubis : une séquence de shoot ’em up en plusieurs phases très intenses, où vous devez littéralement propulser tous les rubis accumulés durant votre aventure pour terrasser le boss. Un final dantesque qui vient parfaitement boucler le thème du jeu.

« Baka-game », mais seulement en apparence

Kudo avait un peu peur que le titre soit considéré comme un baka-game (バカゲー, jeu stupide — ces jeux typiquement japonais profondément non sérieux). Pourtant, tous ses systèmes présentent une véritable profondeur et s’imbriquent de manière organique. Le système de compagnons en particulier, J’ai parlé de 30 mercenaires, mais c’est en réalité 27 classiques et 3 « vagabonds », avec un système de recrutement différent et des backstories plus denses. L’ultime allié à recruter est d’ailleurs véritablement hallucinant : il apparaît de manière totalement aléatoire à quelques endroits de la carte, avec un taux de probabilité extrêmement faible. Le pire, c’est qu’étant le dernier compagnon à recruter, il est naturellement le plus puissant — toutes ses statistiques étant au maximum. Mais là où le bât blesse, c’est que rien dans le jeu ne justifie de se donner autant de mal pour le trouver. Étant la dernière chose qu’il me restait à faire pour boucler le jeu à 100 %, j’ai effectué plus de 300 resets en espérant le voir apparaître, en vain.

Vous aurez également accès à 30 recettes — certaines liées à des quêtes de personnages, d’autres censées simplifier les combats. Cependant même constat : le jeu n’ayant aucun pic de difficulté, leur utilisation se révèlera trivial.

Moins de moraline, plus de gameplay

Récolte de matières premières, artisanat, négociations à l’aveugle — mais surtout santé et portefeuille ne faisant qu’un : difficile de ne pas sourire face à cette caricature du capitalisme. L’ironie est encore plus grande quand on réalise que Pépé Rubis s’enrichit à vue d’œil à mesure que la tour grandit, tandis que notre pauvre Tingle reste au même stade, comme fauché chaque fin de mois.

Pourtant, là où Vanpool excelle, c’est dans le traitement de ses thèmes. Avant d’être une quelconque critique sociale — si tant est qu’il y en ait une —, le titre se concentre sur l’aspect le plus important d’un jeu vidéo : son gameplay. Là où un autre studio — occidental en particulier — aurait lourdement souligné son propos via la narration et la moraline, Rosy Rupeeland fait le choix de la gamification. Il adapte des concepts réels, potentiellement ennuyeux ou stressants, en systèmes de jeu amusants et marquants. Fidèle à son héritage à contre-courant, le studio se joue des codes du jeu vidéo et s’amuse régulièrement avec vos attentes de joueur, probablement habitué à des systèmes bien plus classiques.

Le racket a parfois du bon

À l’époque, de manière presque unanime, les tests du jeu ont fustigé cette mécanique de négociation à l’aveugle. Jugée frustrante et encourageant le save-scumming, c’est pourtant un grave manque de lecture de game design. Cette frustration — et l’immense soulagement qui découle d’une transaction réussie — rend au contraire l’expérience unique. Vanpool apporte d’ailleurs un soin tout particulier à ces séquences en exploitant très intelligemment les deux écrans de la DS : l’écran inférieur affiche une véritable calculatrice, très fun à tapoter, tandis que celui du haut met en scène un « cowboy standoff » particulièrement tendu entre Tingle et son interlocuteur. En cas d’échec, les PNJ ne manquent pas de vous asséner une remarque bien cinglante, histoire de vous enterrer encore un peu plus. Abuser de ces phases reviendrait purement et simplement à amputer le soft de son aspect le plus original et transgressif.

Car en réalité, ces phases de troc constituent les véritables moments de tension de l’aventure. Il est évident que vous allez vous planter à plusieurs reprises durant vos tentatives de marchandage, en particulier au début de l’aventure. Cela m’est arrivé deux ou trois fois de me retrouver totalement fauché, contraint de passer deux ou trois heures à « farmer ». C’est critiquable, certes, mais pour un titre se bouclant en un peu plus de 30 heures — si vous visez les 100 % — dont le reste ne contient que du « jeu réel » (quêtes, donjons, boss et phases scénaristiques sans aucun remplissage), la déconvenue reste mineure.

De plus, bien qu’on puisse regretter le manque de transparence sur les sommes attendues par les PNJ, la progression reste logique : plus on avance, plus les rubis demandés sont élevés. Le jeu sait aussi faire preuve de clémence : certains personnages vous laissent des indices (quant à leur tenue, par exemple) sur ce que vous êtes en mesure de demander, accordent plusieurs tentatives avant de vous refouler, ou mieux encore, conservent vos rubis dépensés en vous permettant de compléter la somme demandée plus tard.

Pour autant, si l’on veut être tout à fait objectif, on regrette que cette mécanique de négociation ne soit pas plus souple. En jeu, si une information « vaut » 2 000 rubis, proposer 1 999 rubis se solde par un refus net et le vol pur et simple de ces derniers. Un pourcentage de réussite dégressif aurait été bien plus ludique — d’autant qu’à force d’enchaîner les phases de troc, il devient difficile de se rappeler avec précision combien untel ou untel vous demandait quatre heures en arrière, rendant les négociations futures plus compliquées.

« Bienvenue » à Rubis-land

Habitués à traiter des thèmes bien plus nobles — réparer le monde après le passage destructeur du « Héros » dans Moon, accompagner une créature dans son évolution biologique dans L.O.L., ou se faire accepter auprès des autres habitants dans Chulip —, l’objectif ici est beaucoup plus terre à terre. Vous êtes un prolo doublé d’un paria, et votre unique but est d’atteindre le paradis pécunier que représente Rubis Land.

Malheureusement pour Tingle, il finira par découvrir que ce paradis ne sera réel que pour son cher patron : Pépé Rubis. Derrière les promesses de prospérité, ce dernier se contente en effet de détourner le pouvoir des rubis au détriment du bien-être de la planète — ayant pour but final de transformer le royaume entier en armée de Tingle, condamnés à travailler éternellement pour satisfaire son avarice. Comme le résume froidement la Grande Fée :

« Du fun ? De la liberté ? À Rubis Land, ces choses-là n’existent pas. »

Le jeu dispose ainsi de deux conclusions pour venir appuyer son propos :

• La « Bonne Fin » : Obtenue en terminant l’aventure en ligne droite. Tingle terrasse Pépé Rubis et fait pleuvoir toute sa fortune accumulée sur la ville. Fait curieux : cette soudaine redistribution du capital ne rend personne véritablement heureux — bien au contraire, comme le soulignent les enfants de la ville, elle rend tous les adultes fous. Ces derniers se retrouvent à courir partout après les rubis sous le rire narquois du fantôme de Pépé Rubis.
• La « Mauvaise Fin » : Paradoxalement, cette dernière est réservée aux joueurs ayant déniché les 30 objets rubis (collectibles du jeu). Malgré les avertissements de la Grande Fée, notre lutin décide de succéder à Pépé Rubis et de prendre sa place à Rubis Land. C’est la fin la plus réussie, la plus complète et la plus cohérente avec le personnage de Tingle. Contrairement à son ancien patron qui exploitait les autres, notre lutin vert n’a pas démérité de toute l’aventure — rendant service à tout le monde et travaillant comme un acharné pour récolter ses rubis. Bien que rien ne révèle ses intentions futures, il devient calife à la place du calife.

Une ironie finale de la part de Vanpool, qui vient court-circuiter le peu de morale que le jeu tente d’intégrer par le biais de la Grande Fée : peu importe vos choix, l’avarice trouve toujours un moyen.

Conclusion : Tingle voit malgré tout la vie en rose

Après un tel plaidoyer en faveur du lutin en collant vert, il serait malvenu de répondre à la question posée en introduction par un simple : « Oui, Tingle ne l’a pas volé. » L’incompréhension, les différences culturelles et un timing trop proche de Twilight Princess auront finalement eu raison d’une potentielle nouvelle figure de marque pour Nintendo.

Il est évident que ce Freshly-Picked Tingle’s Rosy Rupeeland reste un OVNI. Développé par une poignée d’excentriques ayant élu domicile dans une banale maison tokyoïte, le jeu partage le même ADN anticonformiste que ses prédécesseurs spirituels de chez Love-de-Lic, ou que sa suite, Ripened Tingle’s Balloon Trip of Love — une parodie du Magicien d’Oz façon point-and-click n’ayant, elle, pas dépassé l’Archipel. Tingle n’aurait jamais pu prétendre se tenir aux côtés de Mario ou de Link. Ni hier, ni aujourd’hui, ni jamais.

Cependant, il est incontestable que cette « chasse à l’homme » menée par le public américain a profondément altéré son cycle de vie — et surtout celui de projets potentiels qui lui étaient dédiés.

En 2018, Tanabe révèle qu’un jeu d’horreur mettant en scène Tingle était en développement aux alentours de 2010, avant d’être transformé pour devenir Dillon’s Rolling Western — évoquant la même année son envie de développer un jeu où « Tingle deviendrait une sorte d’être surpuissant ». On ne peut que ressentir de l’amertume face à cet immense gâchis. Voir le lutin encore envisagé dans d’autres aventures — dont une qui était en production — prouve que dans des conditions plus favorables, il aurait pu devenir un visage reconnaissable du jeu vidéo. Encore plus sous la houlette de Vanpool, studio à contre-courant d’une industrie aujourd’hui beaucoup trop standardisée.

« Était » — car aujourd’hui, Vanpool n’est plus. Définitivement fermé en 2023 pour « diverses raisons », après une ultime collaboration avec HAL Laboratory sur Kirby’s Return to Dream Land Deluxe, la question ne se pose plus vraiment. L’existence de Tingle dans la série principale se résume désormais à quelques easter eggs épars ou des costumes dédiés à l’autre lutin vert de Nintendo. Cette non-existence est même devenue un running gag au sein de la communauté — notamment lors des Nintendo Direct —, preuve que même blacklisté, le personnage est loin d’être oublié.

C’est une certitude : Tingle méritait définitivement mieux.

• +Un sans faute de créativité en matière de boss
• +Panel de personnages varié
• +Durée de vie honorable pour le concept
• +Système de négociation assez addictif…

• −Le pathfinding catastrophique des compagnons
• −Donjons oubliables
• −Prise en main légèrement désagréable
• −Mais qui manque légèrement de souplesse

Tingle voit malgré tout la vie en rose

Bonus : Déconstruction du titre mot par mot

12 000 km obligent, le titre français du jeu (« Tout nouveau, tout beau : Tingle voit la vie en rose à Rubis Land ») a connu quelques turbulences lors de sa francisation. Dans sa version originale — もぎたてチンクルのばら色ルッピーランド (Mogitate Chinkuru no Bara-iro Ruppī Rando) —, le titre bénéficiait de nombreux doubles sens et surtout de ce côté kimokawa. Démêlons ce titre qui, chose inédite, est une collaboration directe entre Nintendo et Vanpool.

1. もぎたて (Mogitate)

Dérivé du verbe mogu (もぐ / 捥ぐ, cueillir) associé au suffixe ~tate (〜たて, à l’instant), c’est une expression normalement utilisée dans un contexte agricole, en référence à la fraîcheur d’un fruit ou d’un légume « tout juste cueilli ». Utilisable aussi de manière figurée — pour désigner par exemple les débuts d’une jeune idol.

Dans ce contexte précis cependant, le mot est associé à Chinkuru (チンクル) — le nom japonais de Tingle. Kudo souhaitait faire ressortir l’aspect glauque du kimokawa : en associant ce terme directement au lutin vert, c’est l’image d’un Tingle arraché du sol qui s’impose, aussi humide et moite qu’un tubercule.

2. のばら色 (Bara-iro)

Pouvant se traduire textuellement par « de couleur rose », le choix de bara-iro au détriment de translittérations usuelles comme Rōzu (ローズ, rose) ou Pinku (ピンク, pink) — dont l’assistante Pinkle tire d’ailleurs son nom — n’est pas innocent. Bara (ばら) désigne la rose en japonais et iro (色) la couleur — au sens figuré, c’est une expression similaire à celle que l’on a en français : « voir la vie en rose », mettant en avant l’optimisme.

Mais ici, Shirakawa a privilégié l’utilisation de ce terme car selon elle, « ça avait un côté un peu mystérieux et louche ». En effet, dans la littérature japonaise classique, le kanji 色 (iro) ne désigne pas seulement la couleur — il renvoie aussi aux notions de désir, de sensualité et d’érotisme. Ajouté à bara (ばら), qui comme en français s’inscrit dans l’imaginaire du romantisme, le sous-entendu est clair.

3. ルッピーランド (Ruppī Rando)

En japonais, l’utilisation de l’alphabet katakana — employé pour retranscrire les mots étrangers — confère immédiatement un côté « premium », moderne et occidental à un nom, un code très prisé par l’industrie du luxe.

• ルッピー (Ruppī) : Transcription de la monnaie du jeu (Rupee/Rubis). Sa phonologie — double consonne ルッ (ru) et voyelle longue ピー (ppī) — rappelle la sonorité clinquante et artificielle des marques de luxe occidentales telles que グッチ (Gucci) ou ティファニー (Tiffany)

• ランド (Rando) : Ce suffixe est l’apanage des parcs d’attractions, le plus célèbre étant bien sûr ディズニーランド (Disneyland).

Mis ensemble, ルッピーランド (Ruppī Rando) sonne instantanément comme un resort étranger ultra-luxueux, réservé à une frange d’élite.

Alors, en français, ça donne quoi toutes ces nuances ?

Chez nous, le jeu s’intitule « Tout nouveau, tout beau : Tingle voit la vie en rose à Rubis Land » — ce qui lisse tout sous-entendu graveleux ou image potentiellement dérangeante du côté kimokawa. Pour autant, le titre français n’est pas foncièrement mauvais. Au contraire, il adopte un ton direct et racoleur, qu’on pourrait voir sur un prospectus commercial — ce qui est en parfaite concordance avec le thème du jeu. En effet, Kudo révélait dans le même Nintendo Online Magazine de septembre 2006 que l’idée de Rubis Land lui est venue des spams vous promettant de « devenir riche sans rien faire » : les histoires rocambolesques à l’intérieur de ces messages étaient suffisamment cocasses pour nous pousser à les lire jusqu’au bout. Au final, il en va un peu de même avec ce Freshly-Picked Tingle’s Rosy Rupeeland.

L’article Test – Freshly-Picked Tingle’s Rosy Rupeeland est apparu en premier sur Finkashi.

Si l’ovation de Pokopia et l’annonce de la dixième génération (Vents & Vagues) semblent avoir complètement éclipsé Légendes Pokémon : Z-A depuis sa sortie en octobre dernier, cet épisode mérite pourtant une relecture.

Car au-delà de ses qualités intrinsèques, Z-A est le premier opus de la saga à avoir « bénéficié » d’une sortie en deux temps : celle officielle, le 16 octobre, et celle officieuse, survenue à peine trois jours plus tôt. Cette sortie officieuse est le fruit du Teraleak, une fuite massive de données subie par Game Freak en août 2024. Intitulée « Teraleak » par les fans, car ce sont des téraoctets entiers d’éléments bruts de la licence qui se sont retrouvés dans la nature, exposant au grand jour l’écosystème Pokémon pour les cinq années à venir.

Au milieu de toute cette masse d’informations, ce sont les builds bêta, journaux de bord et les fonctionnalités coupées de ce Pokémon « Ikkaku » — codename de Z-A en interne, qui nous intéressent aujourd’hui. Autant de pièces de puzzle qui mises bout à bout permettent de procéder à une véritable rétro-ingénierie du titre. Une piste inédite nous offrant plusieurs éléments de réponse à la fameuse question : « Game Freak ne fait-il véritablement plus d’effort ? »

GAMEPLAY : Action At Last

Fait historique pour la saga : Légendes Pokémon : Z-A est le tout premier épisode en près de trente ans à pouvoir être officiellement catégorisé comme un Action-RPG. Si Légendes Pokémon : Arceus avait déjà planté les graines du changement, il restait avant tout un RPG au tour par tour — qui favorisait davantage l’aspect « Attrapez-les tous » de la licence. Z-A, lui, ose finalement franchir le pas des combats en temps réel. Avec votre Pokémon à vos côtés, affrontements et exploration ne font désormais plus qu’un, conférant à la série une fluidité nouvelle.

Plus d’action implique : plus de responsabilités

L’action se déroulant désormais sans aucune instanciation, l’impression d’être au cœur d’un épisode de l’anime n’a jamais été aussi palpable. Durant les combats Z-A reste cependant fidèle aux codes de la licence, en faisant conserver à votre créature ses quatre capacités. Disposées à l’écran en losange, elles calquent parfaitement la configuration des boutons A, B, X, Y de la manette. Voulue ou non, l’influence de Xenoblade Chronicles est flagrante et permet dès lors une prise en main quasi instantanée des combats.

Quasi instantanée, car si pour lancer ses ordres on est ici au top de l’ergonomie, concernant la gestion du ciblage c’est une autre histoire. Très vite, vous allez vous rendre compte que dix doigts ne suffisent pas pour suivre la frénésie des combats. En effet, avant de pouvoir attaquer votre cible, il vous faut obligatoirement maintenir — et cela en permanence — ZL afin de la verrouiller. Si c’est déjà désagréable en combat, c’est encore pire lors des captures : il vous faut verrouiller votre cible avec ZL, l’affaiblir avec A/B/X/Y, relâcher ZL, utiliser la croix directionnelle pour sélectionner la Poké Ball, puis reverrouiller avec ZL avant de pouvoir enfin lancer votre Ball.

Un procédé fastidieux, d’autant que désormais vous n’aurez que certaines fenêtres de capture précises. Si trop de vos Poké Balls échouent, le Pokémon sera insensible à toute capture jusqu’à que vous lui infligiez davantage de dégâts. Et si ses PV tombent à zéro, vous n’aurez droit qu’à une ultime tentative avant de le voir disparaître définitivement.

Gotta go fast

Temps réel oblige, le jeu détermine désormais comment vos Pokémon peuvent agir en combat à travers la statistique de Vitesse. Cette dernière définit ici la rapidité des cooldowns de vos compétences. Ainsi, plus un Pokémon est rapide, plus il aura d’opportunité d’attaquer. Logiquement, les attaques les plus puissantes sont celles qui accusent d’un plus gros temps de rechargement. Enfin, dans un très probable souci d’équilibrage de cette statistique, les PP qui permettaient historiquement de définir le nombre d’utilisations d’une compétence ont purement et simplement disparu.

But not too fast

Néanmoins, bien que la transition vers l’action soit très appréciable car elle dynamise les affrontements et rend tout très intuitif, un problème majeur se crée : Vous n’avez aucun contrôle sur le mouvement de votre Pokémon. Ce dernier se contente de vous suivre à quelques mètres, posant certaines difficultés lors d’attaques ennemis comme par exemple « Piège de Roc » qui prend désormais réellement de l’espace sur le terrain. Ce qui entraînera souvent inévitablement la mort de votre compagnon de manière frustrante.

Méga-Rogues / Méga-Crampes

Une situation particulièrement vraie contre les Méga-Rogues qui sont stars de cet épisode. Si les nouvelles formes sont dans l’ensemble toutes très réussies, les affrontements contre ces derniers peuvent parfois ressembler à de véritables mêlées générales. En effet, en plus d’attaquer et de gérer les déplacements de votre Pokémon, vous allez devoir gérer les vôtres, car comme dans Légendes Pokémon : Arceus avant lui : les Méga-Rogues vous en veulent personnellement. Rendant dès lors ces combats chargés en touches à presser.

Une discrétion… discrète

Enfin, comme pour Pokémon : Arceus avant lui une notion de discrétion est présente, mais elle reste extrêmement sommaire — limite comique suivant les situations — et permet de bénéficier d’un simple avantage d’initiative en combat ou de taux de réussite lors des captures. En se penchant du côté du Teraleak, l’austérité de cette dernière surprend, car l’équipe, visiblement inspirée par Yakuza, avait prévu une véritable mécanique de filature pour ce Légendes Pokémon : Z-A.

Exploration : Illumis vue d’en haut

Une critique récurrente de la série se portait sur ses interminables séquences narratives. Ici l’histoire reste toujours centrale certes, mais un réel effort a été fait. Montre en main, vous aurez accès à l’ensemble d’Illumis en moins d’une heure. Et si sa partie au sol n’est pas particulièrement passionnante, c’est quand on s’attarde à ce qui se passe en haut que le jeu brille vraiment.

A l’opposé de Pokémon : Arceus qui offrait de larges zones horizontales, Z-A fait de la verticalité son point d’orgue, signant une cohérence parfaite avec son environnement d’inspiration parisienne. Vous arpentez les rues, grimpez les échelles, sautez de toit en toit. C’est un aspect profondément grisant, d’autant que chaque toit représente l’occasion de croiser de nouveaux Pokémon plus ou moins rares. À l’inverse de sa partie terrestre, tous les toits ne sont pas disponibles immédiatement, instaurant ainsi un sentiment de progression dans la ville.

L’absence qui saute aux yeux

Cependant, malgré une verticalité passionnante, un choix de game design très curieux a été fait : il n’y a aucun bouton dédié au saut. Oui, dans un jeu où la verticalité est reine, impossible de sauter en pressant un simple bouton dédié. Vous aurez bien accès à un « saut » intitulé « Moti-Voltige » un peu plus tard dans l’aventure, mais ce dernier n’est utilisable que lors d’une chute via le bouton A. S’apparentant ainsi beaucoup plus à une bascule qu’à un simple saut, rendant chaque séquence de plateforme un peu approximative.

Un choix aberrant, encore plus quand on regarde du côté du Teraleak et qu’on constate que la verticalité — et donc la notion de plateforme — étaient au cœur du jeu dès ses premières ébauches. Bénéficiant même d’un « saut » beaucoup plus naturel au travers de Flambusard.

Zones sauvages

Bien qu’au détour des rues vous aurez l’occasion de croiser divers Pokémon, ce sont dans les « Zones Sauvages » que se concentre l’essentiel du bestiaire.

Justifié scénaristiquement comme un statu quo permettant aux humains et aux Pokémon de vivre ensemble, ces Zones Sauvages sont un prétexte vidéoludique permettant d’introduire des biomes au milieu du béton et des échafaudages d’Illumis. Sans aller jusqu’à implanter une zone volcanique ou désertique en plein milieu de la ville, la diversité visuelle est bienvenue. On se retrouve ainsi à échelle réduite dans des zones similaires à Légendes Pokémon : Arceus, peuplées de Pokémon menant leur vie, et de Pokémon Barons locaux.

Jour & Nuit

Pensée comme deux blocs distincts, l’expérience de jeu varie sensiblement entre les deux cycles :

• Le Jour : Axé exploration, remplissage du Pokédex et complétion des missions secondaires. Ces dernières, au nombre de 119, font vraiment offices de « missions » plus que de quêtes secondaires. Ludiquement limitées, (missions fedex, combat dans des circonstances particulières) elles donnent parfois l’impression d’être un tutoriel géant lié aux spécificités de gameplay du jeu. Heureusement — révélé notamment à travers le Teraleak — un véritable soin leur a été apporté. Les dialogues y sont amusants et les situations suffisamment variées pour nous faire parfois sentir encore en plein milieu d’un épisode l’anime. Un bon point.
• La Nuit : Cap sur les combats. Dans le cadre du tournoi « Z-A Royal », plusieurs zones délimitées sobrement appelées « Zones de Combat » apparaitront sur la carte — abritant les seuls dresseurs du jeu en dehors de l’histoire. Chaque nuit, votre but sera d’accumuler des points ticket en les affrontant afin de débloquer un ticket défi permettant d’affronter l’adversaire de votre rang.

Pokédex & Menuing

Côté « Attrapez-les tous », on perd la profondeur de Légendes Pokémon : Arceus (craft d’objets, baies) pour revenir à quelque chose de beaucoup plus direct. Un choix orienté combat assumé par l’équipe car, échange équivalent, Z-A réintroduit ici les objets tenus en combat, portés disparus durant Pokémon : Arceus. Que les professeurs en herbe se rassurent cependant, la mécanique des tâches du Pokédex subsiste vaguement à travers « Les recherches de Myosotis », de manière bien moins chronophage. À l’instar d’Écarlate & Violet, le 100% s’atteint ici très rapidement. Quant à l’ergonomie des menus, c’est tout simplement la meilleure de la série. Tout est rapide, vos Pokémon sont soignables à la volée, vos créatures trouvables très rapidement dans les boîtes de votre PC, rien n’est superflu.

En résumé, la boucle de gameplay de Légendes Pokémon : Z-A est extrêmement satisfaisante et ludique. On passe d’une activité à l’autre naturellement sans voir le temps passer. C’est un véritable sentiment de TDAH vidéoludique, où l’on ne s’ennuie jamais et on se retrouve constamment à se dire « encore cinq minutes » avant de se rendre compte que quinze sont déjà passées. Une transition totalement réussie.

Réalisation : Paris en 2011…

Inutile d’ignorer le Donphan au milieu de la pièce plus longtemps : le jeu est visuellement à des années de ce qu’on attend d’un titre sortant en 2025. J’ai tendance à être plutôt clément sur la partie graphique dans les jeux vidéo, mais ici c’est peut-être une des seules fois où je me suis fait la réflexion que la faiblesse de la réalisation impactait activement l’expérience de jeu.

Paris est une ville à l’architecture unique, ses toits en zinc et ses artères haussmanniennes sont mondialement célèbres. En choisissant de représenter la ville de manière aussi sommaire, répétitive et lisse, Game Freak nuit grandement à l’envie d’explorer Illumis. En comparant le titre à un Assassin’s Creed Unity sorti il y a plus de dix ans, on se retrouve avec un goût amer : on sait d’avance qu’aucun panorama ne viendra récompenser nos séances de grimpette. Rendant par la même occasion le mode photo beaucoup moins intéressant.

La pauvreté visuelle engendre aussi un autre défaut ici beaucoup plus objectif : on est constamment perdu. Tous les décors se ressemblent, ce qui rend l’utilisation de la carte quasi systématique. Et bien qu’elle soit très bien faite contrairement à celle de Pokémon Écarlate & Violet, il est regrettable qu’un élément du menu prenne une place aussi prépondérante, même pour des micro-déplacements.

Mais Teraleak en 2022

Pourquoi alors le jeu est-il si faible visuellement ? C’est ici que l’on pourrait répondre à la question posée en introduction car les données du Teraleak ont fait ressortir la vérité : trois ans avant la sortie du jeu, Illumis était superbement modélisée et détaillée.

Quelle raison a pu pousser Game Freak à autant revenir en arrière techniquement ? Selon les fuites, la décision de rendre Illumis beaucoup plus plate est intervenue début 2023. Ce qui nous replace quelques mois après le lancement cataclysmique de Pokémon Écarlate & Violet. Il est très probable que dans un souci de précaution, des décisions « venues d’en haut » aient imposé à Game Freak de revoir à la baisse leurs ambitions techniques.

De plus, bien qu’il soit paru en octobre 2025, Z-A visait une sortie pour fin 2024. Sous-entendant que la Switch 2 n’était nulle part dans l’équation, faisant de la vieillissante Switch, la version principale du titre. Sorti un an après sa date initiale, difficile de dire si ce temps a servi à peaufiner techniquement le jeu afin d’éviter à la Switch 2 une mauvaise pub. Dans tous les cas, le titre tourne correctement sur les deux supports mais l’absence d’une version dédiée à la Switch 2 se ressent et ne fait que sublimer les critiques évoquées plus haut.

L’amour du détail

Malgré tout, quand on s’arrête de courir partout pendant cinq minutes, on se rend compte que Game Freak — probablement très déçu de ce rétropédalage technique — a concentré ses efforts ailleurs : dans les détails. Si les rues d’Illumis semblent vides, elles fourmillent pourtant de vie et de cohérence :

• Des Conconfort et des Flamanjou perchés dans les arbres, des Flabébé colorant les parterres de fleurs, ou encore des Miamiasme derrière les poubelles qui seront ravis de rejoindre votre équipe.
• Des affiches, posters et tableaux en tout genre, avec des clins d’œil aux anciens épisodes, ainsi que des moulures à l’effigie de Pokémon.
• Les portraits des Pokémon dans les menus reflètent la personnalité de chacun.
• Plusieurs intérieurs qui, à la différence d’Illumis, sont eux extrêmement bien modélisés, avec des jeux de lumière vraiment inhabituels pour la série.
• Un sound design extrêmement soigné, chaque créature bénéficiant de bruitages en accord avec sa morphologie ou la surface foulée.

Tous ces détails sont autant d’aveux de la part de Game Freak de son attachement à la licence et l’envie de bien faire, malgré les impératifs de temps et de budget. Il est clair aussi qu’avec le passage à l’Action-RPG, le vieux fantasme d’avoir des jeux Pokémon similaire au dessin animé n’a jamais été aussi proche. (Peut être que le microphone de la Switch 2 nous fera crier nos ordres aux Pokémon un jour ?)

Musique : Illumis s’envole

S’il est un point sur lequel la licence a toujours bénéficié des bonnes grâces du public, peu importe les polémiques, c’est bien sur ses bandes-son. Légendes Pokémon : Z-A ne déroge pas à la règle, mais signe ici une rupture affirmée avec les traditionnelles pistes d’inspiration orchestrales de la série. Huis clos urbain oblige, l’équipe a dû intégrer cette contrainte de gameplay majeure dans l’architecture sonore du titre.

Historiquement, à l’exception d’Écarlate & Violet, chaque jeu avait un monde très « couloir ». Ce qui donnait à la bande-son une structure simple : un thème fixe par lieu. L’action se déroulant ici intégralement à Illumis, Game Freak a fait le choix très audacieux d’une bande-son résolument Jazz. Un genre clivant car très affirmé, mais très logique ici : se prêtant très bien à la répétition et à la variation, il permet d’installer chez le joueur un sentiment de familiarité. Une nécessité pour compenser l’absence de progression géographique en jeu.

Kalos Touch

La musique utilise un leitmotiv qui accompagne le joueur dans le temps, faisant bénéficier à chaque secteur d’Illumis d’un instrument différent : clarinette, flûte, accordéon, saxo ou encore trompette.

Variations du thème d’Illumis

Sans être autant symbiotique qu’un Koji Kondo pour un Mario, la bande-son mêle habilement contexte et action, permettant à la ville d’être une entité à part entière du joueur. Cette affirmation vient aussi réparer l’erreur des épisodes X & Y : assumer l’inspiration française de Kalos. Une aberration compte tenu que Junichi Masuda a passé avec son équipe des mois en France pour préparer les jeux, avant de finalement décider de rester universel dans son approche.

Si l’orchestration de X & Y était une ode à la découverte et à la flânerie kalosienne, la bande-son de Z-A elle est une invitation au tumulte et à la vie quotidienne de sa capitale. Épousant de multiples influences musicales françaises, le Paris d’Amélie Poulain (accordéons, pianos) côtoie celui de la French Touch (synthés, sidechain, hachage rythmique) comme vie à Illumis et Z-A Royal. Oui, Game Freak fait un virage à 180° des épisodes 3DS et va ici même jusqu’à assumer l’héritage électronique des nuits parisiennes au sein de son jeu.

Thème des combats

Côté collaborateurs

Nouvelle direction musicale certes, Game Freak continue cependant d’honorer son ouverture récente aux collaborateurs extérieurs. On retrouve ainsi Carlos Eiene (de la chaîne insaneintherainmusic) connu justement pour ses reprises jazzy de la licence. Et bien que Toby Fox (Undertale), présent sur Epée & Bouclier / Écarlate & Violet ne figure pas officiellement aux crédits de cet opus, son influence perdure sur la bande-son du jeu avec notamment le thème de Jacinthe.

SuperSweep : SuperSweeper

En continuant à se pencher du côté des crédits du jeu, un nom ressort en particulier : SuperSweep. Fondé par des vétérans de chez Namco : Shinji Hosoe et Ayako Saso (Tekken, Ridge Racer), collaborateurs de Game Freak depuis Noir & Blanc, le studio livre ici leur partition la plus déchaînée. Habitué aux titres d’arcade où gameplay et musique ne font qu’un, le virage Action-RPG de la saga permet à SuperSweep de s’assumer pleinement et d’insuffler un dynamisme et une rythmique inédits dans la série.

La musique des Méga-Rogues est un pur chaos auditif : guitare électrique, tempo frénétique et percussions nerveuses se couplent à une anarchie visuelle où le joueur doit en plus gérer esquives et ordres lancés à son Pokémon. Certains combats durant longtemps, comme celui de Méga-Zygarde par exemple, cela permet à SuperSweep de créer des boucles énergétiques et d’intégrer plusieurs couches à leurs morceaux : instaurant ainsi une progression auditive à mesure que le combat avance.

Le contraste avec les anciens épisodes au tour par tour est saisissant, et il ne pouvait probablement pas y avoir une bande-son plus ancrée dans le jeu vidéo que celle-ci.

Cinéma muet

Malgré mon ovation pour la bande-son de ce Légendes : Z-A, une critique majeure demeure : le jeu est complètement muet. Une nouvelle fois, Pokémon fait l’impasse sur le doublage de ses personnages, rendant les cinématiques incroyablement étranges. Vous avez une mise en scène, des gros plans sur les personnages qui dialoguent entre eux… Mais aucun son qui ne sort de leur bouche. Un raté une nouvelle fois dans ce département qu’on espère définitivement réglé pour la dixième génération.

Budget serré mais BO premium

Compte tenu du budget du jeu révélé par le Teraleak (environ 13 millions de dollars hors marketing) et tous les déboires entourant son développement, atteindre un tel degré de qualité côté sonore est inouï. D’autant plus dans un contexte où d’autres superproductions mobilisent des centaines de musiciens pour réaliser des bandes-son oubliables. N’en déplaise aux détracteurs, la polémique liée à un de ses compositeurs, Shinji Hosoe, sur son usage d’outils d’IA n’entache en rien le résultat final : la série signe ici la meilleure bande-son de son histoire.

Histoire : Illumis la belle

Bien que le Teraleak ait révélé qu’initialement un Légendes : Johto devait nous être servi à l’occasion des 25 ans de Or & Argent, Game Freak semble avoir profité de l’occasion pour faire son mea culpa de l’épisode Z avorté douze ans plus tôt.

Rejoignant le club très fermé des suites directes (comme Noir 2 & Blanc 2 auparavant), Légendes Pokémon : Z-A se passe cinq ans après les événements de X & Y. Comme évoqué plus haut, l’histoire se déroule en huis clos, intégralement dans une Illumis prise en pleine rénovation urbaine. C’est dans ce contexte que le héros arrive en ville, et se retrouve rapidement embrigadé au sein de la Team MZ — une équipe de dresseurs œuvrant pour le bien de la ville.

Capitalisant sur ses fondations et élargissant son lore, il est révélé dans cet épisode qu’en plus d’accueillir à l’époque de X & Y la cinquième arène du jeu, la Tour Prismatique abritait l’élément central de l’intrigue de ce Pokémon : Z-A : l’Ange. Une seconde machine créée par AZ, servant cette fois-ci non pas à voler la vie comme l’Arme Suprême, mais à offrir l’éternité. À la suite des événements de X & Y, l’Arme Suprême a entraîné le réveil de cette dernière, produisant de l’énergie Méga incontrôlée et l’apparition des Pokémon et des Méga-Rogues dans la ville.

Légendes Pokémon : Z-A ? Plutôt Légendes Pokémon : G-A

Conscient que c’est encore un peu de sa faute, AZ prévient la société Quazar, qui crée alors le Z-A Royal — un tournoi visant à trouver le meilleur utilisateur de la Méga-Évolution dans le but de stabiliser l’Ange.

Donnant pourtant son nom au jeu, et servant de moteur narratif tout au long de l’intrigue, ce Z-A Royal ne respecte malheureusement pas ses propres règles : présenté comme une compétition avec 26 échelons, à travers une pirouette scénaristique le jeu vous propulse du rang V directement au rang G — soit 16 échelons d’un coup — tuant dans l’œuf complètement ce qui aurait pu être un socle scénaristique et ludique important.

Bien sûr, le principe du Z-A Royal est par essence très répétitif, donc cette ellipse peut sembler être pour le mieux. Cependant si on est de cette opinion là il faut alors aborder une énorme absurdité : La majeure partie du post-game ? Un Z-A Royal Infini. Ici, plus de rang, mais 50 000 points à récolter pour affronter son adversaire. Si vous comptez finir le jeu entièrement, vous allez devoir affronter 20 adversaires, bien plus que les 16 échelons sautés durant l’histoire principale. Restant évidemment du contenu annexe sans aucun véritable enjeu scénaristique, ça reste un remplissage et une tentative maladroite de réparer l’erreur du jeu principal.

La société des Bisounours

Dans la majorité des œuvres de fiction, quand une corporation est introduite, il est fortement pressenti que cette dernière et ses acteurs, seront les principaux antagonistes de l’histoire. Avec son immense gratte-ciel futuriste, la société Quazar donne l’impression d’être une version lumière de la Shinra Tower (Final Fantasy VII). Portée par Jett, sa matriarche au discours lisse sur le vivre ensemble, et Vinnie son homme de main aux airs patibulaires, on se retrouve pourtant coupable d’un délit de faciès.

Car une fois le climax atteint… la société Quazar était réellement bien intentionnée, comme absolument tous les protagonistes de l’histoire :

• Corvault (Clan Dérouillard) : Malgré son apparence de boss de la Team Rocket local, et ses méthodes discutables, il veut vraiment œuvrer pour la protection de la ville.
• Grisham et Griselle : Deux membres de la Néo Team Flare, qui malgré leur passé, souhaitent replacer la philanthropie au sein de leur ambition.
• Nivis (Poings de la Justice) : Un utopiste un peu naïf, souhaitant simplement que la frontière entre humains et Pokémon n’existe plus.
• Jacinthe (FRIM) : Une simple riche désobligeante.

Tous se réunissent dans un but commun : Sauver Illumis. Si le climax est plutôt épique, elle fait ressortir une curiosité pour la licence : il n’y a aucun antagoniste humain. Une première pour la série, mais certainement une volonté d’accentuer le thème d’unité présent tout au long de ce Légendes Z-A.

Pokémon X, Y, et… Z

Hormis la myriade de nouveaux personnages introduits on y retrouve aussi plusieurs visages familiers issus de l’épisode à Kalos : AZ avec son Floette, Lysandre, Myosotis de la Team Flare, reconvertie en directrice de laboratoire, et Emma devenue détective. Mais les deux arcs qui nous intéressent vraiment sont ceux d’AZ et de Lysandre — surnommé L ici — qui bénéficient tous deux d’une rédemption construite autour d’une dualité thématique forte.

Concernant Lysandre, on apprend que Zygarde a absorbé le choc de l’Arme Suprême à la fin de X & Y, causant sa fragmentation et sa dispersion jusqu’à Alola — ce qui explique pourquoi le Pokémon gardien de l’écosystème de Kalos se retrouvait-il à Alola dans Soleil & Lune. Désormais amnésique, Lysandre accompagne Zygarde pour restaurer sa forme parfaite dans le but de protéger la ville affligé de la même malédiction qu’AZ : un cycle de 3000 ans de vie.

Pour AZ : retrouvant Floette à la fin de X & Y après 3000 ans d’errance, il se fixe dans Z-A comme objectif de sauver Illumis de sa seconde création devenue incontrôlable. Parvenant à la fin du jeu à réparer son erreur, l’Ange désormais détruite, l’énergie vitale qui le maintenait artificiellement en vie s’arrête — achevant son cycle de 3000 ans.

Et c’est bien là l’élément le plus marquant, voire choquant de cette fin : Pokémon tue littéralement un de ses personnages à la fin de son histoire. Une première.

Dualité

De manière très subtile, les deux personnages incarnent tour à tour Xerneas, « Celui qui donne » (l’Ange), et Yveltal, « Celui qui prend » (l’Arme Suprême) :

• AZ, symbolisant Xerneas, souhaite la vie éternelle pour Floette, mais se retrouve dans la position d’Yveltal, contraint de voir le monde entier mourir autour de lui pendant plus de 3000 ans.
• Lysandre, désirant une destruction totale (Yveltal), se verra suite à ses actions accordé une malédiction similaire à celle d’AZ — un cycle de 3000 ans de vie (Xerneas) — pile au moment où celui d’AZ s’achève.

Entre les deux, dans X & Y comme dans Z-A, c’est le joueur et Zygarde, symboles de l’équilibre des cycles, qui viennent rétablir l’ordre brisé — vie et mort étant indissociables et nécessaires l’une à l’autre. X & Y avaient des enjeux inhabituellement sombres pour la série, malheureusement le côté expéditif de sa trame n’a pas su faire réellement ressentir au joueur les enjeux de l’histoire. Ici, Z-A honore sa dette narrative très poétiquement et vient clore le chapitre X & Y douze années plus tard.

Un point politique

Avant de conclure ce test, il est impératif de s’arrêter quelques instants sur la situation unique de la licence la plus « bashée » d’internet. Pokémon est une IP répartie en trois acteurs différents :

• Game Freak : Développeur historique.
• Créatures Inc. : Gestionnaire du TCG, du merchandising, et responsable de certains spin-offs (Pokémon Ranger, Détective Pikachu).
• Nintendo : Responsable de l’édition et la distribution.

Ces trois sont réunis sous une égide commune : The Pokémon Company (TPC).

TCG Superiority

Historiquement née du jeu vidéo, les « Pokémania » à répétition et l’adoption définitive de la série dans la culture populaire ont fait basculer la licence dans un véritable paradoxe : la part vidéoludique ne représente aujourd’hui plus qu’environ 20% des recettes totales de la marque. Le véritable empire, c’est le TCG (857 millions de dollars de recettes entre 2023 et 2024) et ses innombrables produits dérivés.

GF : Indépendant, mais pas trop

Et même si Game Freak n’intervient que dans ces 20%, ce sont bien eux qui sont les souverains créatifs de la licence. Sans eux, les 80% restants ne peuvent pas exister : le studio est devenu le véritable allume-feu de la licence. Sans nouveau jeu, pas de nouveaux monstres, donc pas de nouvelles cartes, peluches ou collection Le Creuset.

Là où la situation devient encore plus étrange : Game Freak est un studio indépendant. Il codétient Pokémon, mais n’appartient pas à Nintendo. C’est pourquoi on les retrouve sur d’autres productions (Little Town Hero ou récemment Beasts of Reincarnation) et parfois même sur PlayStation ou Xbox — bien qu’à la vue du catalogue de Game Freak, composé à +70% de Pokémon, on comprend vite que les petits monstres doivent primer avant leurs autres projets.

Ce qui sous-entend une chose aussi : ses uniques revenus sont issus de la vente de jeux et non pas de tout ce qui entoure la licence. Pire encore, les budgets alloués aux jeux passent par The Pokémon Company… duquel Game Freak est pourtant actionnaire à part égale avec les deux autres. Comme évoqué plus haut, Le Teraleak a révélé un chiffre hallucinant pour cet épisode Z-A : Environ 13 millions de dollars de budget. Un montant dérisoire compte tenu de l’empire que représente la licence. Alors quel est l’intérêt pour Game Freak de se tuer à la tâche si un budget aussi faible suffit à avoir un effet papillon à plusieurs centaines de millions de dollars derrière ?

Quand la réalité rattrape la passion

Plusieurs documents internes ayant fuité ont permis de balayer le fantasme des réseaux sociaux : non, Game Freak n’est pas paresseux. Le projet, qui était documenté mensuellement via le journal interne « This Month’s Ikkaku », a révélé une équipe motivée débordante d’idées, probablement contrainte de rétropédaler, étant en première ligne face au lynchage médiatique d’Écarlate & Violet.

Démarré fin 2021, Légendes Z-A n’était même pas destiné à être un Action-RPG à la base, le projet a exploré :

• Un système de tour par tour classique.
• Une structure ATB (Active Time Battle) à la Final Fantasy.
• Des builds expérimentaux inspirés de Splatoon avec des mécaniques de tir.

La décision d’opter finalement pour un Action-RPG s’est faite tard. Ce qui, en plus de l’initiative probable de réduire l’envergure du projet, afin d’éviter un remake d’Écarlate & Violet, a considérablement réduit ce qui était prévu pour ce Légendes Z-A : adieu les montures Pokémon, les énigmes environnementales, la possibilité de scanner les Pokémon comme dans l’anime, ainsi que bon nombre d’intérieurs. Mais surtout, adieu à un multijoueur qui était au cœur du projet et bien plus abouti que le simple Club de Combat de la version finale.

L’allume-feu embrasé

Enfin, pour ne rien arranger à la situation : en interne l’ambiance semble électrique. Junichi Masuda a quitté Game Freak en 2022 pour la Pokemon Company après 30 ans de service. Le Teraleak a révélé beaucoup de tensions liées à l’homme : planification du développement, relations publiques, designs, favoritisme, — Junichi Masuda jouissait d’une véritable concentration de pouvoir. Son successeur, Shigeru Ohmori, a lui aussi finalement été écarté de la direction de la licence seulement deux années plus tard. Si l’on ajoute à cela que tous les profils chez Game Freak ne doivent pas être ravis d’être les esclaves de la licence — car malgré un révisionnisme récent entourant Noir & Blanc, leurs efforts ont souvent rencontré une avalanche de critiques — que Légendes Pokémon : Z-A soit aussi solide relève du miracle.

Conclusion : Illumis brille toujours

Il est compliqué d’être aussi paternaliste face à probablement, LA plus grande licence multimédia du monde. Sans être dans une recherche constante de la plastique parfaite, les critiques du public sur l’aspect technique des jeux récents sont fondées. Surtout que jusqu’à l’ère 3DS, Pokémon était une véritable vitrine technologique pour ses supports. Pourtant, en regardant plus loin que ses graphismes, et en tenant compte de toutes les révélations faites sur le développement chaotique de ce Légendes Pokémon : Z-A, Game Freak signe ici un excellent épisode et transforme enfin l’essai de la série dans le monde de l’Action-RPG.

Z-A est un jeu profondément amusant. Combats, exploration et missions annexes s’enchaînent et créent une boucle de gameplay très grisante où les heures défilent sans que l’on s’en aperçoive. Pansant les plaies de l’épisode Z, Game Freak en profite pour combler les zones d’ombre du lore tout en offrant une conclusion satisfaisante à ses protagonistes les plus emblématiques.

Au final, le plus grand reproche que l’on puisse adresser à Z-A ne porte pas sur la prétendue « incompétence » de Game Freak, mais plutôt d’être une véritable victime du timing. Lancé sur la deuxième moitié du cycle de vie de la Switch, rattrapé par le fiasco technique d’Écarlate & Violet, pour au final sortir des mois après la commercialisation de la Switch 2, difficile de faire pire alignement des planètes. Dans des conditions plus favorables, il est évident que le jeu aurait pu atteindre la perfection et coller plus amplement à la vision initiale de l’équipe. Le récent trailer de Vent & Vague en est la preuve : avec un calendrier moins serré, l’équipe est largement capable d’offrir des jeux plus aboutis.

La véritable question qui se pose maintenant : ce passage à l’Action-RPG n’était-il qu’une parenthèse fantaisiste le temps d’un spin-off, ou est ce que la génération anniversaire de Vents & Vagues transformera la série principale à tout jamais ?

• +Des combats au plus proche de l’anime
• +Les toits d’Illumis
• +Boucle de gameplay addictive
• +Tout est fluide
• +Bande-son stratosphérique
• +Une histoire qui tente des choses

• −La pauvreté visuelle impacte le gameplay
• −Combats parfois brouillons
• −Certains choix de design (absence de bouton de saut)
• −Z-A Royal évincé
• −Toujours aucun doublage

Illumis brille toujours

L’article Test – Légendes Pokémon : Z-A est apparu en premier sur Finkashi.

Quand Ryukishi07 (Le Sanglot des cigales / Umineko no naku koro ni) publiait Hotarubi no Tomoru Koro ni en 2016, il était loin de se douter que sa lettre d’amour à Silent Hill déclencherait un tel effet papillon. Presque dix ans plus tard, sous l’impulsion de Motoi Okamoto, déjà grand admirateur de l’auteur, et aux côtés de NeoBards Entertainment novices en la matière, Ryukishi07 se voit propulsé au rôle de scénariste du dernier-né de la saga : Silent Hill f.

La boucle était bouclée.

Plus de vingt ans après la fin du calvaire de Hinamizawa et du dernier épisode canonique de la série, l’auteur revient pour nous conter les événements d’Ebisugaoka et l’impossible choix de son héroïne, Hinako Shimizu. Après des années d’errance pour la franchise et l’amorce d’une résurgence avec le remake de Silent Hill 2 par Bloober Team un an plus tôt, la série a-t-elle enfin réussi à sortir de son propre brouillard avec ce Silent Hill f ?

Dans ce test :

• De Hinamizawa à Ebisugaoka : Le pattern Ryukishi07
• Silent Hill f…éminisme
  • Disclaimer : Beaucoup de bruit pour rien ?
• Deux mondes, littéralement
  • Ebisugaoka : Silent Hill
  • L'Otherworld : Boring Hill
• Silent Hill f…ighting
  • Silent Souls
  • Souls-like ? No, but Camera-alike
  • Du côté du bestiaire
  • Boss : La rédemption
  • Énigmes & Structure
• Le sanglot d'Hinako : Questions & Réponses
  • New Game ++++
• Artistiquement : Le jeu sort enfin du brouillard
  • Une B.O. magistrale
  • Visuellement : Silent Hill plus vrai que nature
  • Cinématiques : Une vraie plus value
  • Le journal d'Hinako
• Conclusion : Levée du brouillard

De Hinamizawa à Ebisugaoka : Le pattern Ryukishi07

1960, ère Shōwa, Japon.

Nous sommes plongés dans un petit village de montagne sobrement appelé Ebisugaoka (inspiré de Kanayama, dans la ville de Gero), bien loin des années 90, de l’État du Maine aux États-Unis et de son habituelle ville brumeuse.

Bien que ça ne soit pas le premier épisode à se délocaliser, c’est celui qui opère le changement le plus radical. Né d’une volonté de recentrer la saga sur l’horreur japonaise — l’équipe estimant que cette dernière s’était trop occidentalisée — Ryukishi07 fut le premier surpris de constater que l’action ne se déroulerait pas dans la ville éponyme. Ce fut l’occasion pour l’équipe de réfléchir à ce que représentait réellement « Silent Hill ».

« Find Beauty In Terror »

Tel était l’idée centrale de cet épisode. Un concept horrifique japonais selon lequel, lorsque quelque chose est trop beau et parfait, il en devient inquiétant. La beauté étant souvent associée avec la notion de sécurité, le jeu vient volontairement briser cette association. Exit la rouille et la saleté qui caractérisaient les anciens épisodes — bonjour aux lycoris et tenues traditionnelles venus sublimer le propos.

Avec un tel concept, Ryukishi07 semblait le choix le plus approprié pour ressusciter la saga : village en huis clos, adolescents pris au piège sur fond traditions ancestrales, l’auteur est clairement dans sa zone de confort. Pourtant ses aficionados le savent, l’horreur a beau paraître surnaturelle, elle est souvent le miroir d’une culpabilité collective, et ce Silent Hill f ne déroge pas à la règle.

Silent Hill f…éminisme

2025 oblige, les thèmes du titre sont résolument modernes : liberté individuelle, émancipation féminine et perte d’identité. Le jeu s’ouvre sur Hinako Shimizu, adolescente banale de l’ère Shōwa, en pleine dispute avec ses parents. Le joueur comprend très vite qu’elle est en proie à un choix impossible : doit-elle, comme sa sœur, perpétuer le cycle d’oppression familiale ou s’affranchir de ses chaînes et faire ses propres choix ?

Si les premières minutes pouvaient inquiéter quant à la subtilité des thématiques — le jeu parvenant à l’exploit d’employer le terme « patriarcat » dans un contexte de Japon des années 60, un anachronisme probablement imputable à une traduction un peu faible — le propos réussit heureusement à s’étoffer dans les heures qui suivent.

Le problème, c’est que ces révélations arrivent tard. Très tard. Dès lors, un sentiment de schizophrénie se fait sentir pendant une bonne partie de l’aventure, ce qui pourrait refroidir les habitués de la série. Silent Hill f semble coincé entre deux philosophies : celle issue de son héritage, faite de non-dits et de symbolisme, et celle résolument moderne, qui surexpose l’information de peur que le joueur ne sache l’interpréter.

Si le message sur la condition féminine au sein de la société japonaise vous avait échappé, le jeu se chargera allègrement de vous le rappeler. Documents à ramasser, dialogues, design de monstres moins subtils que par le passé. C’est dommage, car le titre sait faire preuve de fulgurance quand il arrête de surexposer son propos.

Les personnages secondaires, présents principalement pour mettre en avant les problématiques rencontrées par Hinako — et organiser la progression de l’histoire — bénéficient malgré tout d’un vrai soin. Stéréotypés au début, une rédemption tardive mais bienvenue leur est accordée à l’approche du dénouement de l’intrigue, nuançant considérablement la première lecture du jeu.

Disclaimer : Beaucoup de bruit pour rien ?

Lors de l’annonce du titre, Konami avait communiqué sur le fait que le jeu traitait de thèmes lourds : harcèlement, maltraitance infantile ou encore torture. Le jeu affiche d’ailleurs un avertissement à chaque lancement.

Ryukishi07, pourtant habitué à ces thèmes dans ses œuvres (en particulier la maltraitance infantile dans Higurashi) reste ici très soft. Aucune situation ne vous mettra vraiment mal à l’aise comme pouvait le laisser sous-entendre ce marketing déguisé. Là où le malaise peut opérer cependant, c’est dans un domaine où on l’attendait un peu moins : la violence graphique. La série étant connue surtout pour sa violence psychologique, contrairement à Resident Evil, elle opère ici un virage en proposant probablement les mises à mort les plus sanglantes de l’histoire de la saga et quelques séquences bien gores. Un bon point pour l’horreur viscérale, même si on regrettera l’absence de tourments plus psychologiques.

Deux mondes, littéralement

La progression est ici complètement structurée et ne laisse aucune part à l’errance : Exploration → Énigme → Écran noir → Otherworld → Boss → Nouveau chapitre. On est loin de la fluidité organique de Silent Hill 2 et on se retrouve à nouveau avec un jeu scindé en deux expériences distinctes.

Ebisugaoka : Silent Hill

Les phases dans le village sont clairement les plus réussies. L’ambiance y est impeccable. L’iconique brouillard de la série y est également présent ; bien qu’il ne soit plus là pour soulager techniquement le jeu, il permet de rythmer la progression en dissimulant les menaces et en mettant le design sonore au premier plan.

Pour cet opus, l’équipe a réalisé un véritable travail d’historien : architecture de l’époque, coiffures, allant jusqu’à l’étude de la rouille sur les ferrures métalliques. Ils se sont également rendus à Kanayama pour photographier les lieux afin d’avoir un rendu au plus proche du réel. Les ruelles de la ville y sont labyrinthiques et tentaculaires, inspirées des véritables Kinkotsu Meguri (allées musculaires/osseuses) — elles apportent une identité unique à Ebisugaoka. On se prend à se balader et observer chaque détail comme si on était dans un véritable musée à ciel ouvert, rappelant d’ailleurs une ambiance proche de Forbidden Siren.

Paradoxe néanmoins : malgré une ambiance impeccable, le jeu ne fait jamais vraiment peur. Il s’appuie dès lors parfois sur des jumpscares — bien que ces derniers restent une manière très cheap de faire de l’horreur, certains fonctionnent ici très bien en trompant vos attentes.

L’Otherworld : Boring Hill

L’Otherworld incarne parfaitement le concept vidéoludique du « that part » — cette section que l’on redoute quand on envisage de rejouer à un jeu. Ici cependant, c’est le cas pour la majorité des sections de l’Otherworld. Les séquences dans le passé d’Hinako fonctionnent, mais celles ancrées dans le folklore (temples, sanctuaires) sont tout bonnement ennuyeuses. Certaines énigmes sont pénibles, la progression y est labyrinthique — pas dans le bon sens — , les monstres y sont omniprésents… La pression est constante et tourne vite à l’agacement.

En bref : un échec.

Silent Hill f…ighting

Certainement le point le plus sulfureux de cet épisode : le système de combat. Premier épisode à bénéficier d’une vraie réflexion sur ses affrontements, c’est paradoxalement devenu le point qui a fait couler le plus d’encre.

Silent Souls

Les affrontements adoptent une philosophie proche du hack ‘n’ slash, l’aspect ludique en moins. L’intégralité des combats se déroule au corps-à-corps (une première pour la série qui n’intègre aucune arme à feu). Le titre a souvent été comparé à un Souls-like de manière péjorative — ce dernier ayant cannibalisé le genre depuis plusieurs années maintenant — en réalité ce Silent Hill se contente de singer ses éléments les plus classiques :

• Attaques légères et lourdes
• Parade et esquives parfaites
• Système de « concentration » (santé mentale) pour des coups dévastateurs

Sur le papier, c’est solide. Le fracas des coups est d’une rare satisfaction, et vient renforcer le côté viscéral du titre, tout particulièrement avec les armes lourdes. Même si le système de combat n’est pas « fun » au sens littéral, visuellement et auditivement c’est une petite jouissance, rappelant des sensations similaires à Condemned: Criminal Origins.

À ces éléments « soulsesque » viennent s’ajouter des mécaniques plus classiques du jeu vidéo, mais moins pour la saga :

• Durabilité des armes
• Offrandes pour renforcer Hinako
• Ema (petits talismans) équipables pour personnaliser son style de jeu
• Gestion limitée de l’inventaire

Souls-like ? No, but Camera-alike

S’il y a bien effectivement un élément proche des Souls dont on se serait bien passé, c’est sa caméra.

Silent Hill f est un titre intimiste et la majeure partie de ses combats ont lieu dans des endroits exigus. Résultat ? Les coups finissent souvent dans les murs et la manipulation de Hinako devient subie. À cela s’ajoute le fait que les ennemis ont presque tous des attaques qui, si non esquivées à temps, vous imposeront une animation obligatoire accompagnée d’une jolie réduction de votre barre de vie. De quoi vite vous mettre à bout dans les plus hauts niveau de difficulté. L’exploration passe ainsi au second plan, au profit d’une stratégie de mouvement (esquiver ou combattre ?), dictée par la rareté des soins.

Une planification nécessaire car la fréquence des combats frôle le harcèlement. Un harcèlement tel, que face à la grogne des joueurs, NeoBards Entertainment a dû déployer un patch rajoutant un mode « casual » et une option pour passer une séquence de combats entière — de base obligatoire — avant le boss final.

Un constat d’échec admis à demi-mot.

Du côté du bestiaire

Si la fatigue morale ne vous atteint pas, l’usure visuelle s’en chargera. Côté monster design, les monstres ne sont pas signés par l’illustre Masahiro Itō mais par l’artiste Kera (Spirit Hunter: NG, Magic: The Gathering). Comme évoqué plus haut, ils sont biens moins subtils que par le passé et thématiquement plus transparents, néanmoins ils restent extrêmement soignés.

L’antagoniste principal, le Shiromuku, dégage une énergie fantastique, et accompagné par l’ambiance sonore, il est tout bonnement glaçant.

Non, le problème vient simplement — encore — de la prépondérance des combats, créant une usure visuelle. Face au énième Kamugara, la peur laisse place à l’agacement et on passe de :

« Oh non, pas lui ! » (terreur) à « Oh non, pas lui ! » (exaspération).

Les choses ne s’améliorent pas non plus côté Otherworld. Premier point notable : les ennemis reviennent à la vie (sauf utilisation d’une arme spécifique obtenue tardivement). Cette arme — qui remplacera vos deux seules armes disponibles — rendra d’ailleurs les combats dans l’Otherworld beaucoup plus chaotiques, renforçant ce sentiment d’affrontements perpétuels.

Boss : La rédemption

Heureusement, les boss sauvent la mise. Ils profitent d’une mise en scène presque cinématographique — le combat final est d’ailleurs très original. Il est vrai que ces combats ont une identité un peu plus orientée Souls : devoir apprendre les patterns des boss peut parfois s’avérer nécessaire, mais sans jamais atteindre la frustration des phases d’exploration.

Le verdict ? On se retrouve avec un système qui ne convient à personne : trop fréquent pour les puristes de l’horreur, trop frustrant pour les fans d’action. Une solution probable aurait été de scinder le jeu en deux expériences distinctes :

• À Ebisugaoka : Réduire drastiquement les ennemis pour favoriser l’exploration, l’ambiance et générer une vraie détresse psychologique chez le joueur.
• Dans l’Otherworld : Assumer complètement le virage action et mettre en avant l’horreur visuelle.

Énigmes & Structure

Un rapide point sur les énigmes, ces dernières reprennent le traditionnel système de difficulté de la série —permettant de scinder combats et énigmes au choix. Allant de facile à très difficile, ce qui se traduira littéralement par « mettre des ronds dans des cercles » ou devoir faire partie de l’équipe de développement pour espérer comprendre quelque chose. Elles restent relativement peu nombreuses comparées aux combats, ce qui est regrettable car certaines d’entre elles — comme celle des casiers ou des épouvantails —sont très réussies.

Le sanglot d’Hinako : Questions & Réponses

Une fois le boss final vaincu, vous constaterez que la fin vous laisse avec plus de questions que de réponses. C’est intentionnel.

À l’inverse des événements survenant pendant l’aventure, le jeu se conclut de manière très « rationnelle ». Fournissant une explication ancrée dans la réalité en passant par un élément de gameplay — permettant une liaison ludonarrative inattendue.

Dans la pure tradition Ryukishi07-esque, Silent Hill f exige de recommencer l’aventure plusieurs fois pour saisir toute l’histoire. Cependant, contrairement à Higurashi & Umineko qui étaient divisés en « Questions Arcs » et « Answers Arcs », offrant des points de vue différents, ici c’est le même jeu que vous allez devoir retraverser. Bien sûr, suivant vos choix, certains événements varient (cinématiques, boss, fins), mais en termes de gameplay, c’est une photocopie de votre première partie.

Dans un jeu où la narration est centrale, c’est à la limite de l’acceptable. Cette répétitivité génère un sentiment de corvée chez le joueur.

New Game ++++

Le jeu comporte au total cinq fins, Après la première fin obligatoire, vous pourrez suivre deux routes, couvrant les deux choix s’offrant à Hinako :

Troisième voie qui s’ouvrira uniquement lorsque l’une des deux conclusions aura préalablement été atteinte et qui représente la vraie fin du jeu. Classique, elle s’inscrit dans l’ADN de l’auteur : des « méchants » qui sont victimes d’un système les dépassant, une Hinako qui retrouve liberté et paix intérieure, au prix d’un sacrifice collectif — car chez Ryukishi07, il n’y a jamais de happy ending sans contrepartie.

Comptez (avec optimisation en suivant une soluce) environ trois parties complètes pour tout voir, et une quatrième plus courte pour la classique fin UFO elle aussi présente ici.

Artistiquement : Le jeu sort enfin du brouillard

Une B.O. magistrale

De la Team Silent (développeur historique de la saga), il ne reste plus qu’Akira Yamaoka. C’est lui qui signe le thème d’ouverture Mayoi Uta, une comptine en japonais classique de l’ère Heian — incompréhensible même pour un Japonais moderne — subtilement détournée, comme pouvait l’être « Go Tell Aunt Rhody » dans Resident Evil 7. Son sens ne se révèle qu’après avoir terminé le jeu une première fois. Yamaoka était en charge de toute la musique dans le monde réel.

L’objectif pour lui n’était pas de se contenter d’évoquer l’ancien en utilisant des instruments classiques japonais, mais de capturer l’essence de Silent Hill en retranscrivant « l’humidité et l’odeur particulière du Japon » elle-même.

Comme depuis le début avec le projet, la philosophie de la bande-son est scindée en deux. Pour l’Otherworld, c’est Kensuke Inage qui s’en occupe. Lui, a contrario, a préféré complètement embrasser le contexte historique du titre, avec une bande-son rituelle et cérémoniale. Sublimant à la fois le cadre et le conflit intérieur qui ronge Hinako.

On note aussi la présence de dai et xaki sur plusieurs scènes clés, compositeurs fétiches de Ryukishi07 — ce sont eux qui ont signé entre autres les bandes-sons de Higurashi et Umineko.

Silent Hill n’a jamais été aussi proche d’Hinamizawa.

Visuellement : Silent Hill plus vrai que nature

Graphiquement, le jeu est beau. Tout particulièrement du côté des animations des personnages, où les visages profitent du système MetaHuman de l’Unreal Engine 5, visant à créer des personnages photoréalistes — quelque chose qu’on pouvait déjà retrouver sur Clair Obscur: Expedition 33. Couplé à un doublage de haute volée et à la performance capture intégrale de Konatsu Kato, le résultat est saisissant de réalisme.

Si réaliste, que la doubleuse avoue elle-même avoir un peu perdu pied pendant les enregistrements. Bien qu’un peu sensationnaliste comme propos, la performance est tellement intense sur certaines scènes qu’il est impossible de douter de son investissement pendant la création du jeu.

Techniquement, le jeu tient la route sur console avec un framerate stable, hormis dans les dernières heures de jeu, à cause, encore une fois, du trop grand nombre d’ennemis présents à l’écran.

Cinématiques : Une vraie plus value

C’est un point sur lequel on ne s’attarde plus forcément de nos jours tant elles sont devenues usuelles dans l’industrie, mais les cinématiques sont particulièrement réussies. Elles s’inscrivent parmi les éléments qui élèvent vraiment l’expérience, et ceux qui nous rappellent le plus l’ADN originel de la série. Il y a plus de 90 minutes de cinématiques : elles sont longues, mais jamais ennuyantes, toujours très bien réalisées et la partie sonore y est un cran au-dessus. Elles nous rappellent vraiment cette période où les cinématiques dans les jeux vidéo étaient une « récompense » après plusieurs heures de gameplay. Une réussite.

Le journal d’Hinako

Bien que la tendance générale soit d’invisibiliser toute information à l’écran au profit de l’immersion et en faveur d’une interface « service » stérile, le jeu profite d’une très jolie interface utilisateur. Thématiquement cohérente, les menus — mis sous la forme du journal personnel d’Hinako — nous représentent personnages, monstres, et même tutoriels comme des gribouillis de l’héroïne, susceptibles d’évoluer avec les événements du jeu. Le journal recueille aussi les impressions et sentiments d’Hinako, une façon originale de faire de la narration loin des classiques documents éparpillés.

Conclusion : Levée du brouillard

Après des années d’égarement, Konami parvient enfin à entrevoir la lumière au bout du chemin avec ce Silent Hill f.

Sans cesse tiraillé entre son héritage et son cahier des charges, NeoBards Entertainment réussit malgré tout à signer un premier essai convaincant, et pour Konami, un vrai retour aux sources.

Ryukishi07 était sans doute le meilleur choix afin de s’assurer un épisode aussi authentique au pays de la saga. Il ne sort peut-être pas de sa zone de confort, mais parvient à faire s’investir le joueur dans les tenants et aboutissants de l’histoire, mêlant habilement surnaturel de façade, et traumatismes eux, bien réels.

Direction artistique et choix de design s’affrontent constamment, similairement aux deux entités du jeu, mais quand ils sont bons ils sont très bons. Si ce n’était pas pour une tournure résolument plus action de la série, l’épisode aurait sans doute fait l’unanimité auprès du grand public.

Malheureusement un jeu vidéo devant rester ludique, difficile de faire plus de louanges à cet épisode face à tant de ratés côté gameplay.

Quatre jours après sa sortie Konami annonçait déjà avoir écoulé un million d’exemplaires de son épisode f. Bien déterminé à ne pas laisser la machine refroidir, Motoi Okamoto a affirmé vouloir sortir « un épisode de la saga par an ». Rien de bien rassurant — surtout quand le prochain, Townfall, se retrouve confié une nouvelle fois à des occidentaux, chez Screen Burn cette fois-ci. Un studio, dont le CV se limite à deux jeux narratifs (Stories Untold, Observation), on est loin du casting all-stars que pouvait proposer l’épisode f.

Éclaircie de courte durée pour la série ?

• +Ebisugaoka
• +Doublage exceptionnel
• +Mythologie entourant le village passionnante
• +Artistiquement au top
• +Viscéralité des combats

• −Otherworld
• −Des séquences frôlent le harcèlement
• −Énigmes anecdotiques
• −Trois parties identiques pour atteindre la conclusion
• −Pas toujours très subtil dans ses thématiques

Levée du brouillard

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Premier test du site, mais deuxième collaboration entre Kazutaka Kodaka (Danganronpa, Rain Code) et Kotaro Uchikoshi (Zero Escape, AI: The Somnium Files) après un World’s End Club qui peinait à trouver sa direction, ici l’ambition est claire : défendre pendant 100 jours le campus Last Defense Academy face aux envahisseurs pour sauver l’humanité.

100 jours, 100 fins et probablement le double d’heures nécessaires pour voir tout ce que le titre a à proposer. Un projet aux antipodes de leur précédent jeu, souvent critiqué pour sa durée de vie. Mais qui d’autre que Kodaka et son équipe de chez TooKyo Games (pouvant littéralement se traduire par « Too 狂 » — « Trop fou ») pouvaient mener ce projet à bien ?

Dans ce test :

• Un développement qui prend l'eau
• 100 fins : promesse tenue ?
• 21 routes, mais deux écoles différentes
  • Des personnages qui gagnent en profondeur
• Gameplay : entre Tactical-RPG et Puzzle-Game
  • Last Resort
  • The Hundred Line S: Ultimate Summer Camp
• Direction artistique : DA-nganronpa
• Bande-son : des combats sublimés, moins sublime ailleurs
• Conclusion : Un miracle d'ambition

Un développement qui prend l’eau

Afin de mieux comprendre The Hundred Line: Last Defense Academy, plongeons-nous quelques années en arrière. Initié en même temps que la fondation de TooKyo Games en 2017, mis en pause, puis relancé en 2019, le postulat de départ était simple : comment se démarquer face à une industrie standardisée ?

Hormis la nécessité d’avoir une identité visuelle forte, Kodaka entouré d’une équipe de scénaristes est arrivé à une conclusion surprenante : son jeu devait avoir 100 fins différentes. Un projet insensé pour cette mince équipe de 14 personnes qui donnera à l’aboutissement du jeu des chiffres hors normes :

• 100 fins distinctes.
• 6 millions de caractères japonais (environ 1,5 million de mots pour le script anglais, soit deux fois la Bible).
• Plus de 2000 expressions faciales et 600 CG (illustrations).
• Une bande-son de 90 musiques et 400 effets sonores.

Une telle démesure ne vient pas sans risque : suite aux demandes toujours plus grandissantes de Kodaka pour voir sa vision aboutir, le studio s’est retrouvé au bord de la faillite et a dû contracter un emprunt. Un fait exceptionnel dans une industrie où l’éditeur est généralement là pour absorber les frais additionnels.

100 fins : promesse tenue ?

« Je veux que mon jeu ait 100 fins, et que toutes donnent l’impression au joueur d’avoir eu la vraie fin. »

Les vétérans du médium savent que face à de telles promesses — surtout quand elles deviennent un pilier marketing — il y a de quoi craindre un résultat signé Todd Howard. Force est de constater que malgré un scepticisme initial, la promesse est en majeure partie tenue.

21 routes, mais deux écoles différentes

Une fois la Common Route terminée au bout d’environ 40 heures de jeu, vous accéderez au cœur du titre : 21 routes différentes, où chacun de vos choix vous conduira vers des embranchements très différents, en termes de ton, de durée et de conclusions.

Même si la promesse de « 100 vraies fins » n’est pas forcément respectée de facto (certaines étant des variations ou des Game Over glorifiés), on ne peut qu’être impressionné par le soin qui leur est accordé : chaque conclusion a droit à sa mise en scène, souvent doublée et accompagnée d’une CG unique.

Parmi les intentions initiales de Kodaka, on retrouvait la volonté de donner l’impression au joueur de toujours être « sur la bonne route ». Un parti pris audacieux qui, malheureusement, montre ses limites quand on se penche du côté des crédits du jeu :

• Les « True Routes » implicites : Les routes écrites par Kodaka (Last Defense Academy 2nd Scenario) et Uchikoshi (S.F. Route) se démarquent clairement des 19 autres. Les auteurs sont dans leur zone de confort concernant les thèmes abordés (Hope vs Despair, science-fiction) et les conclusions sont dans l’ensemble les plus complètes. 2nd Scenario bénéficie même d’un credit song unique et du tag #001 dans la liste des 100 fins. Quant à la S.F Route, c’est la seule qui est inaccessible sans avoir vu certaines conclusions en amont. Difficile dès lors d’atténuer ce sentiment d’être ici sur les true routes.
• Les autres : Bien que le duo soit présent sur d’autres routes, le reste des scénarios a été confié à divers scénaristes et cela se ressent. Le résultat est en dents de scie : rythmes hachés, temps morts ou lourdeurs de gameplay. Pour être plus explicite : nous avons une Conspiracy Route qui, malgré une amorce originale, se termine brusquement et compte 7 fins similaires, venant un peu salir la promesse des 100 fins originales. Ou encore une Comedy Route qui, bien qu’absurde et drôle dans l’ensemble, s’étire en longueur là où ce temps aurait pu servir à étoffer d’autres routes.

On peut aussi noter une certaine dissonance dans la psychologie des personnages entre la Common Route et les embranchements suivants. Cependant sans rien révéler ici des tenants et aboutissants de la fin de la route principale, je pense que ce choix a été fait dans un intérêt évident de ne pas lasser le joueur avec une répétition d’événements, et une volonté d’explorer d’autres facettes de l’histoire.

Malgré tout, sur ces 21 routes, une cohérence globale existe, en particulier grâce à des ponts et références très appréciables entre chacune, ce qui rend l’ensemble vraiment homogène. Je ne pense pas qu’il y en ait une qui ressorte comme foncièrement mauvaise, hormis peut-être la Serial Battle Route, qui obligeait les joueurs dans sa version pré-patch à un combat obligatoire minimum tous les deux jours pendant plusieurs semaines. n’intégrant aucune mécanique nouvelle. Des combats répétitifs, n’intégrant aucune nouvelle mécanique.

Les 100 fins, quant à elles, couvrent tous les registres : bonnes, mauvaises, drôles, tristes, voire totalement déprimantes. Certaines conclusions teasent des révélations sur des événements alternatifs, encourageant ainsi l’exploration des autres cheminements.

Des personnages qui gagnent en profondeur

Un des atouts majeurs de la multiplicité des routes est qu’elle permet d’atténuer un défaut d’écriture de Kodaka : créer ses personnages à partir de simples traits de caractère (rigolo/loser/snob). C’est très efficace pour la comedy value car on se retrouve avec des archétypes et des dynamiques qui fonctionnent bien ensemble, sauf qu’au final, d’un jeu à l’autre, le cast peut sembler similaire et sans grande profondeur.

Ici, chaque route permet de développer un peu plus les personnages sous des angles nouveaux, avec notamment d’excellentes surprises comme pour Darumi, qui possède pour moi le meilleur arc de développement et compte de manière générale parmi les meilleures routes du jeu.

Gameplay : entre Tactical-RPG et Puzzle-Game

Bien qu’issu de deux mastodontes du jeu d’aventure, The Hundred Line ne se contente pas d’être uniquement un visual novel. Sous ses centaines de pages de script se cache un T-RPG apportant une vraie plus-value au titre, développé en sous-traitance par Media.Vision (Digimon Story: Time Stranger, Valkyria Chronicles).

L’objectif des combats s’articule souvent autour de la défense de l’académie face à des vagues d’ennemis, avec un boss en guise de conclusion. Les actions pendant les tours se font via un nombre de Points d’Action (PA) limité qui peuvent être récupérés en tuant certaines unités ennemies, poussant le joueur à bien réfléchir et à optimiser au maximum ses actions. Les actions réalisées remplissent une jauge commune permettant l’activation des ultimates des personnages, donnant au joueur une marge accrue sur son efficacité, conférant à l’ensemble un aspect proche du Puzzle-Game.

Last Resort

La plus grande originalité du système de combat vient de sa mécanique « Last Resort ». Là où la mort est habituellement pénalisée dans le jeu vidéo, ici, elle est encouragée — et même justifiée scénaristiquement. Lorsqu’un de vos personnages est proche de la mort, l’option pour lancer une ultime attaque suicidaire s’activera, restaurant au passage un PA et permettant potentiellement d’inverser le cours d’une bataille.

Le problème du système de combat réside dans sa pertinence sur la longueur. Lors de la Common Route, vous n’avez pas accès à l’ensemble de l’équipe immédiatement, ce qui permet à chaque combat d’intégrer des mécaniques différentes à travers les personnages qui vous rejoindront et face aux différents boss que vous rencontrerez.

Cependant, une fois la route principale terminée, les combats deviennent beaucoup moins intéressants. Déjà car vous vous retrouverez souvent à faire les mêmes, peu de nouvelles mécaniques seront introduites comparé à la première route, et surtout les personnages précédemment intégrés bénéficiaient d’un combat qui leur était « dédié » — c’est-à-dire pensé pour leur utilisation en particulier. Mais comme dans beaucoup de jeux, vous finirez par utiliser toujours les mêmes unités, certaines étant tout simplement plus efficaces que d’autres, sans compter que vous skipperez très probablement la majorité des affrontements optionnels, faute d’intérêt. Les boss, eux, restent malgré tout challengeants et certains de fins de routes vous feront particulièrement réfléchir à la bonne utilisation de toute votre équipe — un très bon point.

The Hundred Line S: Ultimate Summer Camp

En plus de l’histoire et des combats, vous aurez la possibilité de passer du temps avec vos pairs afin d’en apprendre plus sur leur backstory (similairement à Danganronpa) ainsi que de leur faire gagner en puissance grâce aux points accumulés en combat et aux diverses ressources glanées lors des phases d’exploration. Désignées comme un jeu de l’oie (rappelant vaguement Danganronpa S), ces dernières s’essoufflent rapidement et deviennent vite une corvée que l’on finit par passer. Le côté aléatoire de l’aspect jeu de plateau n’aidant pas non plus, elles peuvent même parfois s’avérer frustrantes.

Il est regrettable, compte tenu de l’univers vaste du jeu, que ces dernières n’aient pas été un prétexte pour laisser le joueur explorer le monde à sa guise et tomber au détour d’une case sur une route cachée, ce qui aurait été un bon moyen de diversifier organiquement le système de routes.

Direction artistique : DA-nganronpa

Visuellement, le jeu signé Rui Komatsuzaki (Danganronpa, Rain Code) parvient à s’émanciper de l’étiquette Danganronpa, surtout pendant les combats qui sont les véritables money shots artistiques du projet où se mélangent imaginaire enfantin perverti, hémoglobine, transformations en monstres ainsi qu’imagerie militaire.

Malgré la multitude d’assets du jeu, une certaine lassitude visuelle finit inévitablement par s’installer au bout de plusieurs routes. Non pas des personnages (très expressifs), mais des décors. Le huis clos du campus fait que les environnements vont vous sembler familiers très vite, d’autant plus en combat où il va falloir vous habituer à voir le terrain de l’école quasi systématiquement. Heureusement, les CG sont bien plus variées et viendront contrebalancer cette lassitude.

Côté cinématiques, elles sont signées Jet Studio, Inc. (ayant collaboré sur Elden Ring ou plus récemment Slitterhead). Bien que rares, elles sont une petite réussite et permettent d’élever les moments clés de l’histoire. Les phases de transformation, entre autres, sont une véritable réussite visuelle et auditive rappelant l’esthétique edgy des années 2000 à la Persona 3.

Bande-son : des combats sublimés, moins sublime ailleurs

Grand fan du légendaire Masafumi Takada (Danganronpa, Killer 7), musicalement, je suis en revanche resté un peu sur ma faim. Comme précisé plus haut, un effort particulier a été fait artistiquement lors des séquences de combat, ce qui coupe vraiment la bande-son en deux :

• En combat : c’est un sans-faute. Électro, drum & bass, techno, en passant par des thèmes orchestraux avec chants choraux lors des affrontements avec les commandants qui leur confèrent un aspect cinématographique. Une véritable réussite et une BO qu’on ne retrouvera probablement nulle part ailleurs.
• Pendant l’histoire : l’OST devient plus serviceable. Elle manque de thèmes marquants comme c’était le cas pour Danganronpa (bien qu’ironiquement, sur certaines tracks, les yeux fermés, vous êtes plongés en plein procès de killing game) et se contente pour la plupart des pistes d’accompagner l’histoire.

Defense

Incoming Despair

Inherited Life

Dernier point sonore concernant le doublage : j’ai toujours eu un faible pour les doublages anglais des jeux de Kodaka et cela ne change pas ici. Bien que toutes les scènes ne soient pas doublées (compréhensible vu la taille du script, mais rendant certaines scènes un peu étranges), les doubleurs ont fait un excellent travail dans l’ensemble et tous ont su capter la personnalité unique de chaque protagoniste. Chaque scène doublée est un vrai plaisir et vous collera très certainement un rictus plus d’une fois.

Conclusion : Un miracle d’ambition

The Hundred Line: Last Defense Academy est un OVNI, un véritable miracle. Que Kodaka soit parvenu à mener sa vision jusqu’au bout sans réel compromis (dans une ère pré-IA, de surcroît) force le respect. Compte tenu de la taille colossale du script, c’est aussi surprenant que le jeu ait bénéficié d’une traduction et d’un doublage anglais.

Non pas exempt de défauts, principalement inhérents à sa nature répétitive, The Hundred Line est un indispensable dans une industrie aseptisée qui n’ose plus prendre de risque. Il nous rappelle que le médium est encore très loin de nous avoir tout proposé.

Un sentiment partagé par Kodaka lui-même, reprochant au jeu vidéo d’être désormais « product-driven » au détriment du « creator-driven », comme c’était le cas il y a vingt ou trente ans.

TooKyo Games a heureusement depuis sorti la tête de l’eau, le jeu ayant bénéficié d’un bon bouche-à-oreille (même de la part d’un certain titulaire du jeu de l’année) et s’étant hissé dans le Top 5 des ventes Switch au Japon à sa sortie. Kodaka ambitionne de créer le « Cyberpunk 2077 ou GTA Online » des jeux narratifs, que son jeu soit la réponse aux open worlds mais pour le genre narratif. Il espère continuer à faire vivre le jeu 10 ans via l’ajout de scénarios supplémentaires. Un grand événement est d’ailleurs déjà en route pour célébrer les un an du jeu — rendez-vous le 26 avril prochain !

• +Une démesure de contenu (21 routes, 100 fins)
• +Soin apporté à chaque fin (CG, doublage)
• +Système de combat grisant
• +Direction artistique excellente en combat
• +Une vraie leçon pour l’industrie

• −Routes de qualité inégale
• −Combats anecdotiques passé la Common Route
• −Quelques lourdeurs sur certaines phases de gameplay
• −Ambition originale des 100 vraies fins en demi-teinte

Un miracle d’ambition

L’article Test – The Hundred Line: Last Defense Academy est apparu en premier sur Finkashi.